台湾Popの新星 – 韋禮安 WeiBird

このところ、台湾のポップスがめちゃめちゃ熱い。兎に角出るもの出る曲の全てがハイクオリティーであり、何よりソングライターがぞろぞろひしめいている辺りは日本の同じ業界では既に追い付けないくらい、粒が揃っている。
　

中でも私のイチオシのシンガーソングライターがこの人、韋禮安（William Wei Li An）。
1987年3月5日、台湾・台中生まれの彼の生み出す上品でソフトリーなメロディー、歌詞、そしてサウンドはさながら極上のラム酒でも飲む時のようにマイルドで優しい。
　

新作『Don’t Show It』は全編英語で歌唱され、黙って聴いていたら中国系のシンガーとはおそらく誰も気づかないだろう。
（※古き良き、ブリティッシュ・ロックバンド 『プリファブ・スプラウト』に通ずるそこはかとなくノスタルジックな曲調は、リスナーに時代錯誤を引き起こさせる。）
　

　

カメラの焦点が熱帯魚が泳ぐ水槽に当てられたまま、その向こう側に一人の女性があてどもなくやり過ごしている独特の映像は、ここ最近の韋禮安の配信する幾つかの動画に共通している、ある種の「人に対する美しい拒絶」を匂わせる。
　

ひょっとすると韋禮安と言う人は心のどこかに、永遠に消すことの出来ない痛みを隠し持っているのかもしれない。
この評論を書いている私自身がそうであるように、人は誰にも視えない場所にひっそりと傷を隠し持つ生き物だ。その人が笑顔であればある程その痛みは繊細で脆くて、絶対に誰の手も触れさせまいと必死でそれを隠そうとするものかもしれない。
　

　

韋禮安のニューアルバム『I’M MORE SOBER WHEN I’M DRUNK』には9曲の珠玉の作品が収録されているが、中でも私が好きなのはこの作品『Leave This Bed』だ。
　
この作品のPVに、人物は一人も現れない。焦点の合わない一台の車に少しずつカメラがズームしたり離れたりしながら、楽曲の要所要所に車だけがその輪郭を露わにして行く。
その車に接近しているのは人なのか、人の心なのか或いは魂か、それとも地縛霊のような何物なのか‥、PVの最後まで明かされない謎に悶々とさせられるからついに何度も視てしまう不思議なPVに、私は完全に心を鷲づかみにされたようだ。
　
ロックオン！
　

　

彼の「掴みどころのない世界観」に魅入られながら、過去アルバム『Sounds of My Life』も聴いてみるが、此方も秀作である。
印象としてはどこか、遠い過去に捨てられたままの廃屋に迷い込んだままその中で一つの生を振り返るような、本当に不思議なサウンドが広がって行く。
　

中でもM-11『這樣好嗎 How About This』が個人的にはドストライクで、何度も何度もこの作品を聴いている。
この作品にはPVも存在するが、私個人的には映像を通さずに音楽だけを聴いていたいと思った。あえて映像化しない方が、作品の持つ曖昧なところに想像力がかきたてられ、解釈にむしろ深みを与えてくれるような気がしたからだ。
　

　
　
どの作品にも通じているがこの人 韋禮安の歌い方がどこか、マイケル・ジャクソンを想起させる。
特にロングトーンの中盤から後半の縮れ感のある細かいビブラートがランダムなのに美しく、彼の心の彼方にそっと息を潜めている「傷跡」を包み込む水の紋様のようで、胸が張り裂けそうになる‥。
　

さてこの記事の最後に、韋禮安が2021年にリリースしたニューアルバム『I’M MORE SOBER WHEN I’M DRUNK』のアルバムリンクを貼っておきたい。
そこがイングランドなのかチャイナタウンなのか‥、或いはそれ以外なのかが分からない迷宮の世界がアルバム全体に広がって行く。

是非、音のマトリックスとしてご堪能頂きたい🎧

　

声のないシャンソン – “Que reste-t-il de nos amours” (残されし恋には)

悲しい時に聴くシャンソンは、人の声よりもインストゥルメンタルが良いかもしれない。
　
しんしんと風が凍り付く冷たい冬の夜、珍しく（ずっと大っ嫌いだった）シャンソン – “Que reste-t-il de nos amours” (邦題: 「残されし恋には」) を聴いている。
勿論下のLinkはヴォーカルのないバージョンで、ここのところ人の肉声を回避しながら音楽に接している私にはうってつけの内容だ。

　

　

この作品は シャルル・トレネ が生み出した名曲中の名曲であるが、私はこの作品が好きではなかった。

おそらくこの作品との出会いが良くなかったのだ‥。未だ私が和製シャンソン歌手の伴奏に従事していた頃に、訳詞家 古賀力氏がこの作品を「十八番」として毎日歌っていたが、それが余りに物真似臭くて段々と嫌気がさして来た。
　

　

物真似ソングの伴奏者には、否が応でも同様に「物真似」を要求されることになる。古賀力氏が歌う “Que reste-t-il de nos amours” に於いても同様で、最初は良い曲だ‥ と思いながらも次第に物真似臭さが鼻に付いて来て、最終的には大っ嫌いな一曲となって行った。
　

話しを「声のないシャンソン」に戻すと、最初のリンク “Que reste-t-il de nos amours” (Paolo Fresu | Richard Galliano | Jan Lundgren) 版は、Live録音とは言え「作品性」に特化した録音版であり、表現の全てが細やかでナイーヴで洗練されており、その上シャンソンにありがちな「崩れ」や「泥酔感」が一切見られない。
　

フランスはネイティブの Richard Galliano（リシャール・ガリアーノ）が参加しているにも関わらず、ネイティブのアコルディオン奏者を差し置いてイタリア人トランペッターの Paolo Fresu が楽曲のTopの座に君臨しているあたりが何とも皮肉めいていて、クールでカッコいい🎺


なにせ楽曲を底からしっかり支えているスウェーデンのピアニスト Jan Lundgren （ヤン・ラングレン）氏のハーモニー構成が何とも上品で美しく、ヤン氏のピアノに触れる度にいかに「音楽に関わる人に於けるアカデミックな教育の下地」が大切か‥ について、深く考えさせられる。
　

　

さてこの名曲 “Que reste-t-il de nos amours” (邦題: 「残されし恋には」) をざっくり検索していたところ、何と同曲を歌手の岩崎良美さんが歌っている動画を見つけた。

　

　

控え目なヴォーカルは相変わらず上品だ。
ギタリストが所々コード・プログレッションを間違えている為、後半岩崎良美が若干俯き加減にそのミステイクを上手く誤魔化しながら歌い切っている様子が（専門家の私から見れば）手に取るように分かるが、これも「生演奏好き」から言うところの「ライブの醍醐味」と言うことになるのだろう。
　
全編をフランス語でしっかりと歌い切っている辺りは高感度大であるが、やはり他国の表現者のライブと比較するとツメの甘さが拭い切れない。

　
音楽を演奏する上で重要なことは、「百年後に残せる音楽を奏でる精神」ではないだろうか。少なくとも私の場合、かつて和製シャンソン & カンツォーネ等の伴奏者に従事していた時には、上記の心得を一瞬たりとも忘れたことがなかった。
仮にその日その夜のヴォーカリストが何かの拍子に表現を投げ出してしまったとしても、私はそれを一切度外視しながらその日の仕事に集中したものだった。

だが今こうして振り返ると、当時の夜な夜なの演奏がいかに実力不足で内容が不十分だったのかと、多くの心残りが蘇る。
　

　

だが、世界には上の上、その又上が居るものだ。
Paolo Fresu | Richard Galliano | Jan Lundgren‥この三人が繰り広げて行くアルバム “Mare Nostrum“ もそんな「上のその又上」の人々が奏でる至極の作品だ。
　

悲しい人もそうではない人たちも、今この瞬間共にこのアルバムで心を一つに出来れば‥ と願いながら、この記事の最後にアルバム “Mare Nostrum” を置いて記事を終わりにしたい。
　

経る時、降る雪、そして弟‥

2022年、正月早々の悲しい雪はあっと言う間に降り積もり、あっと言う間に溶けて行った。寂しさよりも強い後悔を心に降らせ、涙よりも憔悴が先に立つ雪だった。
しんしんと昼間の都会を濡らした雪、それは美しい氷の層を形成しながら夜遅くまで降り続いた。
　
雪の夜は闇が明るく見える。深夜雪闇を見る為に、私は何度も窓を開けた。
闇が明けた翌日は、我が家の可愛いうさぎ「マイケル君」の定期検診の為、バスで動物病院に向かった。マイケル君もそろそろ高齢うさぎになって来た。見た目と気力は健康に見えるものの持って生まれた神経症の影響で片足は全く動かなくなり、片方の前歯も抜けて膿んでいる。
年を取ると言うのはこういうことなんですね‥ と、ベテラン獣医と昨日はしみじみと語り合った。
　

2021年の年の瀬から何度も何度も亡き父、亡き母、亡き弟と心を交わし、昨夜一つの結論に到達した。
最も心を閉ざしたのは両親たちであり、反面最も心を開いたのは意外にも私より若くして旅立った弟の方だった。彼は少年の頃の姿で目の前に現れ、あの時の声と心のままようやく本心を饒舌に私に語り始めた。
　
彼は全てに於いて後悔を募らせ、この世に置いて来たままの「かの人」に対する不条理や落胆等を、これまでにない程多くの言葉を用いて私の心に降らせ、それはまるで雪崩のように私たちの間の隔たりを一気に滑り落ちて行った。
　


今日までに何があろうとも優しく在りたいと願う私の思いは、いとも簡単に呆気なく打ち砕かれてしまった。それは一度は打ち解けられそうに思えた亡き母の魂の心変わりは勿論のこと、亡き弟の家族の私に対する在り方も同様だった。
　
一度も会ったことのない人が私に、これ程までに痛みを与える理由を私は知りたかった。きっとその人はこのブログを読んでいるだろう。
会ったことのない私をここまで冷遇する本当の理由を、是非とも聞かせて欲しい。
　
何よりこの結末に驚き落胆しているのが若くして旅立った弟本人であることを彼女が知ったら、それをどう思うのだろうか‥。或いは何とも思わないのだろうか。
　

昨日は生前の弟や両親とは余り行くことのなかった実家近くの洋食屋さんで、おそらく弟が泣いて喜びそうな「ミートソース・スパゲッティ」を頂いた。その前は実家近くのお蕎麦屋さんで「天麩羅うどん」を頂いた。
　
死後の魂は余りにも無力ゆえ、信じられないほど正直にその本当の姿を現してくれる。生前最も闇に呑まれこの先きっと永遠に敵同士のままになりそうだった弟が、たったひと皿の「ミートソース・スパゲッティ」で私に心を開いてくれたのが、少し嬉しくもあった。嬉しい反面悲しみもあり、私たちはもう二度と取り返せない時の河の両端から互いの中の深い溝を見つめ、その理由について語り合った。
　
私が過去世をJ.S.バッハとして生きたこと、その魂が小さな我が家に転生して来たことを知った弟は自身の私に対する生前の言動を、きっと深く悔いたに違いない。でも全ての発端は父の私に対する強い差別感情であり、弟はそれに逆らわずに、従いながら生きることでしか「我が家」に居場所を見つけ出せなかったのだと思うと、何ともいたたまれない。

　

きっと法律よりも音楽を深く愛し、上に過去世バッハの私が居たことで音楽を諦めざるを得なくなった弟の心中を思うと、もっと何とかならなかったのだろうかと私の中に深い怒りが込み上げる。
　

　
怒りと疲労と眠気、色々なものに襲われつつも私は今、こんな時でも音楽を手放さずに居る。真夜中の寝室で音楽を聴きながら、これからのことを考えている。
　
私にしか知らない音楽が心に在り、それをこの先も私は粛々と放出し続けて行くだろう。
ただの音楽家・芸術家に留まることなく私は常に「祈り」と共に生き、それを音楽に刻印し続けるこの先の人生を、亡き弟はそっと天から見ていることだろう。
　
その思いに、私も存分に応えたい。
　
生前彼が果たせなかった分も含め、私はいつか宇宙の人々に自身の音楽を手渡したいと願っている。その為の音楽を生み出せるのは私一人しか居ないことも分かっているので、その時に向けて正々堂々と私は生きて行くことを、あらためて胸に誓った。
その手助けをしてくれた夫に今、深く感謝を述べたい。

　

「マツケンサンバⅡ」はサンバか否か‥

「マツケンサンバⅡ」が厳密には「サンバ」ではなくマンボかルンバ‥ と言う音楽評論を目にしました。

マツケンサンバⅡ、正確には「マツケンマンボ」か「マツケンルンバ」？音楽学者が解説

　
音楽には色々な解釈がありますが、上記の説に於いては半分が正解であり、半分は不正解と言えます。

サンバ論或いはサンバの解釈をする際に、度々持ち出されるのが「リオのカーニバル」です。リオのカーニバルが「サンバ論」のベースとなるサンバ解釈は方々で展開されていますが、「リオのカーニバルこそがサンバである」‥ と言う視点も、あくまで規模の問題です。
　

基本的にリオのカーニバルの音楽（主にリズム体）の特徴として、大所帯の打楽器「バトゥカーダ」が主として16ビートの3、7、11、そして15の箇所にアクセントを感じるリズム体をキープしながら演奏されるのが特徴です。
「バトゥカーダ」は本来ヴォーカルのない音楽演奏形態を指し、主にスルド、アゴゴ、カウベル、カイシャ、アビート（ホイッスル）等と言った多くの楽器で編成が組まれ、リオのカーニバルではダンサーの後ろに大きな台車が組まれチームを鼓舞しながら会場を練り歩きます。

　

　
確かに「マツケンサンバⅡ」の原曲にはバトゥカーダ が入っていません。
　

　

元記事【マツケンサンバⅡ、正確には「マツケンマンボ」か「マツケンルンバ」？音楽学者が解説】⇦ では《マツケンサンバⅡはマンボかルンバ、ないしはキューバの音楽「モントゥーノ」かもしれない》‥ と書かれていますが、どれも正解ではありません。

ざっくりとこの音楽はシンプルに、「ラテン音楽」である‥ と言う認識の方が正しいと言えます。
　

少し視点を変えて、さらに説明を加えましょう。
「マツケンサンバⅡ」には複数のトラックが存在し、それぞれ個性的なアレンジが施されています。
その中で同曲が見事にサンバ・チルアウトに編曲されているのが、以下のトラックです。⇩

　

　
上記のトラックでは若干ですがリズムセクションが増幅されており、リオのカーニバルのバトゥカーダ 程ではないですが、ブラジルのサンバにかなり近づいている箇所が数カ所あります。
　
リズムの刻みが16ビートから、さらにかなり細かく刻む別の打楽器が背後にミックスされていて、若干付点がかった「Swing（オンダ）」を入れて打楽器がミックスされている為、リズムに空気感と躍動感が感じられます。

time 2:36 辺りから段々とSwing（オンダ）がきつくなっており、そこに「オーレ！」がリピートされている為、かなり強いサンバ感を感じることが出来ます。
よ～く聴くと、バスドラが増幅されてミックスされているので、低音部に重厚感も感じられますね。

これは「マツケンサンバⅡ」のシングルバージョンには無いアレンジになっているので、エレクトリック・サンバとして聴いたり踊ったりすることが可能です。
まぁどんなに背後に強力なリズムが来ても、上様にとっては最早どうでもいいことのようにも見えます。楽しけりゃーいいんですから、上様は！（笑）

　　

　
　
音楽、特に『舞曲』やダンス・ミュージック、リズム・ミュージックを解釈する時に必要なことは、知識よりも感性です。
ドラムの何々が何ビートを刻んでいるから「これはサンバである」と言う数学のドリルの回答を導き出すような杓子定規な解釈は、私から見ればとても短絡的に見えます。

特に民族音楽はリズムだけではなく、そこに発祥地の「モード」や言語の特徴等が折り重なって一個の世界観を形成して行きます。なので、正しいか否か‥ を超えた音楽分析力が求められます。
　

元記事【マツケンサンバⅡ、正確には「マツケンマンボ」か「マツケンルンバ」？音楽学者が解説】⇦ ではどこか、マツケンブームに乗って何かしらアンチテーゼのような一家言を叩き出すことで筆者が音楽評論界に二次的な旋風を巻き起こそうとしているようにも見えます。
ですがどこか筆者の音楽解釈のツメの甘さが目立ち、多くの音楽を複合的に解釈しようとすることを拒絶しているような意図が見え隠れしている点に、個人的には問題を感じてなりません。

音楽解釈の自由性を許さない、或いは音楽を感じるマインドに余計なバイアスを掛けて行くような音楽評論は、リスナーの自由性を大きく阻害することになりますので、そのような文献にうっかり遭遇した時は出来れば余り真剣に読まずに通過することをオススメします（笑）。

　
さて、この記事で折角「バトゥカーダ」に触れたので、今私が個人的にイチオシの「AAINJAA」のバトゥカーダの動画を最後に置いて、記事を終わりにします。

　

「マツケンサンバⅡ」はサンバか否か‥

「マツケンサンバⅡ」が厳密には「サンバ」ではなくマンボかルンバ‥ と言う音楽評論を目にしました。⇩
(残念ながら該当記事は2025年6月11日現在、別記事として再アップされていました。🔗画像をタップして下さい。)
　

　
音楽には色々な解釈がありますが、上記の説に於いては半分が正解であり、半分は不正解と言えます。

サンバ論或いはサンバの解釈をする際に、度々持ち出されるのが「リオのカーニバル」です。リオのカーニバルが「サンバ論」のベースとなるサンバ解釈は方々で展開されていますが、「リオのカーニバルこそがサンバである」‥ と言う視点も、あくまで規模の問題です。

基本的にリオのカーニバルの音楽（主にリズム体）の特徴として、大所帯の打楽器「バトゥカーダ」が主として16ビートの3、7、11、そして15の箇所にアクセントを感じるリズム体をキープしながら演奏されるのが特徴です。
「バトゥカーダ」は本来ヴォーカルのない音楽演奏形態を指し、主にスルド、アゴゴ、カウベル、カイシャ、アビート（ホイッスル）等と言った多くの楽器で編成が組まれ、リオのカーニバルではダンサーの後ろに大きな台車が組まれチームを鼓舞しながら会場を練り歩きます。
　


確かに「マツケンサンバⅡ」の原曲にはバトゥカーダ が入っていません。
　


元記事【マツケンサンバⅡ、正確には「マツケンマンボ」か「マツケンルンバ」？音楽学者が解説】⇦ では《マツケンサンバⅡはマンボかルンバ、ないしはキューバの音楽「モントゥーノ」かもしれない》‥ と書かれていますが、どれも正解ではありません。

ざっくりとこの音楽はシンプルに、「ラテン音楽」である‥ と言う認識の方が正しいと言えます。

少し視点を変えて、さらに説明を加えましょう。
「マツケンサンバⅡ」には複数のトラックが存在し、それぞれ個性的なアレンジが施されています。
その中で同曲が見事にサンバ・チルアウトに編曲されているのが、以下のトラックです。⇩
　


上記のトラックでは若干ですがリズムセクションが増幅されており、リオのカーニバルのバトゥカーダ 程ではないですが、ブラジルのサンバにかなり近づいている箇所が数カ所あります。
リズムの刻みが16ビートから、さらにかなり細かく刻む別の打楽器が背後にミックスされていて、若干付点がかった「Swing（オンダ）」を入れて打楽器がミックスされている為、リズムに空気感と躍動感が感じられます。

time 2:36 辺りから段々とSwing（オンダ）がきつくなっており、そこに「オーレ！」がリピートされている為、かなり強いサンバ感を感じることが出来ます。
よ～く聴くと、バスドラが増幅されてミックスされているので、低音部に重厚感も感じられますね。

これは「マツケンサンバⅡ」のシングルバージョンには無いアレンジになっているので、エレクトリック・サンバとして聴いたり踊ったりすることが可能です。
まぁどんなに背後に強力なリズムが来ても、上様にとっては最早どうでもいいことのようにも見えます。楽しけりゃーいいんですから、上様は！（笑）
　


音楽、特に『舞曲』やダンス・ミュージック、リズム・ミュージックを解釈する時に必要なことは、知識よりも感性です。
ドラムの何々が何ビートを刻んでいるから「これはサンバである」と言う数学のドリルの回答を導き出すような杓子定規な解釈は、私から見ればとても短絡的に見えます。

特に民族音楽はリズムだけではなく、そこに発祥地の「モード」や言語の特徴等が折り重なって一個の世界観を形成して行きます。なので、正しいか否か‥ を超えた音楽分析力が求められます。

元記事【マツケンサンバⅡ、正確には「マツケンマンボ」か「マツケンルンバ」？音楽学者が解説】⇦ ではどこか、マツケンブームに乗って何かしらアンチテーゼのような一家言を叩き出すことで筆者が音楽評論界に二次的な旋風を巻き起こそうとしているようにも見えます。
ですがどこか筆者の音楽解釈のツメの甘さが目立ち、多くの音楽を複合的に解釈しようとすることを拒絶しているような意図が見え隠れしている点に、個人的には問題を感じてなりません。

音楽解釈の自由性を許さない、或いは音楽を感じるマインドに余計なバイアスを掛けて行くような音楽評論は、リスナーの自由性を大きく阻害することになりますので、そのような文献にうっかり遭遇した時は出来れば余り真剣に読まずに通過することをオススメします（笑）。


さて、この記事で折角「バトゥカーダ」に触れたので、今私が個人的にイチオシの「AAINJAA」のバトゥカーダの動画を最後に置いて、記事を終わりにします。
　

　

内容を限定し、お仕事の依頼を受け付けております。
音楽評論、レビュー or ライナーノート執筆、ラジオ番組用のBGM選曲、雑誌連載執筆及びYouTube出演や対談等、諸々用件・案件は、TwitterのDMないしは 📨[info@didier-merah.jp] ⇦ までお寄せ下さい。
オーダーを遥かに上回るクールで奇想天外な記事を、筆者の豊富な脳内データから導き出して綴ります！

　

本記事は『note』より移動しました。

作業と音楽と、グレイ星人と – “Ryuichi Sakamoto + Alva Noto — The Glass House”

こんなにも心を落ち着かせてくれる音楽を夢中で求めるのは、今、私が人生57年の中で最も大きな転機を迎えているからだと思う。
　
私を除く実家の最後の家族が2021年12月初旬に突然この世を去り、彼等の歴史の最後を私が見取ることになった。特に母の壮絶な最期を目の当たりにし、この家の一員として私が生まれた理由や家族や親戚が徹底的に私一人を家族・親戚の輪から排除しに掛かった本当の理由は何なのか‥ 等、これからの第三の人生をリスタートする上で私は、今起きていることの全てを一度まとめたいと思っている。
　
‥こんな時に聞きたくなるもの、そして私の音楽評論家一年目、2021年の音楽評論記事の最後を飾るに相応しい人、相応しい音楽はやはりこの作品だと感じた。
　

　

過去の私を知る人はなぜ、私が彼・坂本龍一氏の作品を私自身の人生の節目の音楽評論の素材としてセレクトしたのか、それをきっと薄々感じ取ってくれるだろう。
　

ここのところアンビエント・ミュージックの大半が模造品の様相を呈しており、これと言って目立つ作品に出会えてはいなかった。
だからこの作品 “Ryuichi Sakamoto + Alva Noto — The Glass House” が唯一無二の作品かと問われると、即座に「Yes!」とは言い難い側面もあるが、2020年から2021年の、この混沌とした時代に静かに、そして不穏なまでに冷静に寄り添ってくれる不思議なアンビエント・ミュージックだ。
　

　

冒頭近くの「A」の音から物語は始まり、途中から “Glass House” に静かな雨が降り始める。これが必然なのか偶然なのかは最早神のみぞ知る事実だが、兎に角全てが厳かに美しく、尚且つ無機的な一面を孕んで進んで行く。
　

冒頭の「A」を起点とした各々の音の断片は次第にコード「Dm」として形になり、それが楽曲全体をワンコードとして包囲し始める。
坂本、Alva Noto等の音の断片に雨音が混ざり合い、やがて坂本が “Glass House” 自体をマレットで鳴らし始める頃には時間の感覚が麻痺して来る。
　

　

地上で奏でられている音楽にも関わらず、空間自体は既に「酸素を持つ宇宙空間」と化している。極力露骨な電子音を叩き出さないよう用心に用心を重ねながら、坂本が “Glass House” にマレットを当てて行くと画面上ではそれが若干「作業」に見えて来る点が、少々残念ではあるが‥。
やはり音楽は純粋に、「音楽」として感じ取りたい。
　

　

たとえ瞬時的にでもそこにパソコン画面やApple（🍎）のマークが視えてしまうと若干集中力が疎外され、我に返った瞬間に彼等の「作業」を感じ取ることになり、正直しらけてしまうのだ（笑）。
　

だがそれはそれとして、この作品 “Ryuichi Sakamoto + Alva Noto — The Glass House” がアンビエント界の中でも秀逸な音楽であることには変わらない。
勿論とても不定形であり機材や環境の偶発性に依存しなければならない点は、音楽として見ればとても不安定であり普遍性の域には到達していないだろう。だが、アンビエント・ミュージックのそれが良さであり欠点でもあると言う点を踏まえながら、この作品に関してはその不安定要素を私はポジティブに解釈し、受け止めたいと思った。
　

心が不安定な時には、むしろ不安定要素（不確定要素）の高い音楽の方が精神を気持ち好く揺さぶってくれるし、不安定な精神状態にむしろ安心材料を与えてくれるから不思議だ。
　

　
ところで‥。
　
坂本が何度か Glass House の窓を連打した後に一瞬写り込んだこの「グレイ星人」と思われる映像は、意図的なものだろうか。
芸術家でありながらも「コンタクティー」でもある私としては、この画像がとても気になって仕方がないのだが‥。⇩
　

グレイ星人らしきもの‥

　
特にYouTubeの記録を観ていると、坂本が “Glass House” 自体を連打する音声が「異星から忍び寄る足音」のようにも聴こえて来る。
もしもそれを意図したものだとすれば、この作品自体が別の意味を持つ。

文字に書けば「陰謀論」として片付けられ、良くない意味で差別されるであろう何かしらのメッセージ性をこの音楽が存分に含んでいるとしたら、これはまさに「未知との遭遇」の音楽版と言えるだろう。
坂本龍一 に Alva Noto がタッグを組んで繰り広げられる音楽だ。そのぐらいのことは簡単にやってのけるだろう。
　

　

アンビエント・ミュージックの制作現場を視える化することが、必ずしも良いことばかりとは言い切れない。機材や多くのコンセントやコード、場合によっては波形や楽譜、手元の様子等が視えてしまうことで夢が失われる。
それを「クールでカッコいい」と思う人も多々居るのは知っているが、私はこういう「作業現場」をあまり見たいとは思わない。
出来れば音楽は作業現場を可視化せずに、聴力や聴覚だけで感じ取りたい派である。
　

さて、この記事の最後に一応Spotify版の “Ryuichi Sakamoto + Alva Noto — [Glass]“ を貼っておく。
視ないで聴くか、視て聴くか‥、その両方から視えて来る各々のアンビエント・ミュージックがきっとあるだろう。
　

廃屋の音色 [“Old Friends New Friends” – Nils Frahm]

かつて私が「ヴォーカルの伴奏」に従事していた頃は、日本の端から端、そしてL.A.やN.Y. ～ 一度だけベトナムを含む海外の多くの演奏旅行に恵まれた。だが一方で、その度に現地や現場の楽器には悩まされ、調律時に鍵盤をやたら重く設定してあるピアノにも度々遭遇したものだった。
中でも印象的だったのは、到着してみたら「楽器が無かった」沖縄の現場だった（笑）。

ピアニストがピアノごと現場まで持って来るものだと主催者は完全に勘違いしており、空港から車で30分走行して現地に着いたらすかさず、ヴォーカルマイクとかすかな照明だけがセッティングされた小部屋に通された。
「あの、ピアノはどれになるでしょうか？」と思わず質問すると、「えっとご持参されるんですよね？」と返された。

私は大道具さんじゃないですよ‥。
暫しの沈黙‥。

結局この仕事をどう切り抜けたかと思い出す度に今でも肩が凝る。
そう、近くの小学校から足踏み式のオルガンを借りて来て、それでソロ曲を弾けだカンツォーネを弾けだ、挙げ句の果てには「川の流れのように」の伴奏までやらされ、喧々諤々になりながら私はそのイベントの打ち上げを欠席した。
流石に気前よく「お疲れさまー！🍻」等とビールで乾杯出来る気分ではなかったし、出来れば出演料を10倍に上げて欲しかった（笑）。
　

　
或るシャンソン歌手と大分県の宝珠山近くの小学校の理科室で小さなコンサートに呼ばれた時の話しだが、楽屋で私は高熱を出した。

意外に九州は暖かい‥ と思われているようだが、特に福岡や大分の山沿い等で雪に見舞われるとほぼ極寒の地と化す。
前日に一応現場の気温を調べて行ったが、いざ現地に到着してみるといきなり雪が降り始め、やがてコンサートが開始する18時頃になるまでに大雪に変わり、現地に手慣れた観客の中にも大勢遅れて到着する人たちが現れた。

私たちは広い図工室を楽屋としてあてがわれ、－3℃のその部屋には小さな石油ストーブ以外の暖房器具がなかった。
余りの寒さで気が遠くなりそうな中、ようやく防災用の毛布と体育館で使用する一枚のマットが到着した頃には、私は酷い悪寒で木材質の椅子の上で足と背中をガタガタ震わせながらうずくまっていた。

お粥と田舎汁が出され、何とか震えながらそれを胃袋に放り込んだ。持参していた風邪薬と熱冷ましも、殆ど役に立たなくなっていたが、そのまま本番へ。
兎に角全身が震えていると言うのに、どういうわけか地元のお酒の熱燗が振る舞われ、それも殆ど役に立たないまま私の震えが段々過熱し、演奏の合間にそれが打楽器みたいに大きな音を立てて‥、それを見た観客たちに笑いが起きた。

（中略）‥‥‥
　

　
この話しをする為にこの記事を書き始めたわけではなくて、最近アンビエント系ピアノの一部で流行っている「壊れたピアノ」で演奏しているようなピアノ曲が流行っている‥ と言う話しの導入が長くなってしまった（笑）。
恐らくピアノをこういう感じで加工すると、もうそれだけで音楽になる‥ と思い込んでいるアンビエント・ピアノ系のアーティストが多いのだろう。だが、それは単に音質の奇をてらった域を出ないので、音楽や作品としては完成することがない。

ジャズでもクラシックでもないし、かと言ってアンビエント・ミュージックとも異なる、例えれば「廃屋にふらりと現れた亡霊がうっかり演奏している」ような音楽とでも言えば良いだろうか。演奏している人が「幽霊」だから、その気になって聴く人も居る‥ と言うような感じの、とても危うい音楽が最近流行っている。

一種の「再起不能なノスタルジー」をしみじみ味わいたい人によっては、この音色はツボかもしれない。だがそれは時折うんと田舎の料理がいきなり食べたくなる時の食欲に似て、お腹が一杯になった後には必要なくなる音楽だ。

そんな「再起不能なノスタルジー」にカテゴライズされそうな音楽の中にも時に良質なものがあり、それが Nils Frahm が2021年の冬にリリースした “Old Friends New Friends“ と言うアルバムだった。
　

Nils Frahm (ニルス・フラーム) は、ベルリンを拠点とするドイツのミュージシャン、作曲家、レコードプロデューサーである。
彼はクラシックとエレクトロニックミュージックを組み合わせ、グランドピアノ、アップライトピアノ、ローランドジュノ-60、ローズピアノ、ドラムマシン、モーグベースをミックスするという型破りなアプローチで知られていまる。

(Wikipedia より)

　
John Cageへのトリビュート曲『4:33』から始まるこのアルバムは全編に渡って虚無的なピアノの音色が主役であり、ミニマルともアンビエント・ミュージックともジャズともつかない、言うなれば全てが「幽霊が奏でる音楽」と言った方が適切と思えるぐらいに危うい。
　

　

ジョン・ミルトン・ケージ・ジュニアは、アメリカ合衆国の音楽家、作曲家、詩人、思想家、キノコ研究家。実験音楽家として、前衛芸術全体に影響を与えている。独特の音楽論や表現によって音楽の定義をひろげた。「沈黙」を含めたさまざまな素材を作品や演奏に用いており、代表的な作品に『4分33秒』がある。
　
(Wikipedia より)

　

因みに John Cage の『4:33』については、以下の動画を参照頂きたい。特筆事項なし。
　

　
話しを Nils Frahm に戻そう。

アルバム “Old Friends New Friends” では大半の楽曲がマイナーコードを基本コードとして収録されており、全編が映画のサウンドトラックのように個性も普遍性も持たないSE（サウンドエフェクト）の要素を持つ楽曲で埋め尽くされている。
なので「音楽」として聴くにはどこか物足りなく、どうしても映像を想像するか意図的に別の映像を足して音楽を聴く‥ と言った「ながら聴き」の必要性に迫られる。

あくまで「壊れたピアノ」の音色に意識が集中し、そのサウンドエフェクトの方にリスナーの集中力を奪われる為、良くも悪くも「何度も聴ける」アルバムに仕上がっている。
だがそこはあくまで仮想空間。映画の中の廃屋のシーンに潜り込んでいることには変わりないので、一個のアルバムを存分に聴き込んで行ったと言うような充足感は得られない。
ただとてつもなく、際限のない寂しさだけが後に残る。これはおそらく「壊れたピアノ」の後遺症のようなものだろう。


「壊れたピアノ」ではないが、あえてアップライト・ピアノで楽曲配信を続けている別のアーティストに「FKJ (French Kiwi Juice)」が居る。
　

フランスのキウイジュースまたは略語FKJとして専門的に知られているVincentFentonは、Toursのフランスのマルチ楽器奏者、歌手、ミュージシャンである。彼はソロライブパフォーマンスで知られており、Abletonを介してライブループを行う‥。

(Wikipedia より)

　

　
又日本国内で「壊れたピアノ」をモチーフにして楽曲配信を続けているアーティストとして、小瀬村昌、橋本秀行 等が挙げられる。
興味のある人は是非、Spotifyなどで検索して聴いて下さい。
　

小瀬村昌のSpotify
橋本秀行のSpotify

　
個人的にはけっして好きなテイストではないのにも関わらず、何度も聴いてしまう音色は存在する。その一人が Nils Frahm だ。時折病的にハマってしまう辛い食べ物のように、満足感が得られないと分かっているのに足げく通う四川料理の店のようなものだろうか。

2020～2021年、多くの人々がこの世を後にした。彼等の多くはその最期すら看取られることなく、静かに人知れずあの世に旅立って行った。
その後悔の念は未だ、今もこの地上を彷徨い続けているのかもしれない。
だから私は、「廃屋の音色」に触れる時にはいつも以上に最大の防備で身を守りながら、なおかつ彼等に祈りを捧げるような気持ちでその音色に接することに決めている。

ふと気づいたら自分までもが「廃屋の一人」になっている、なんてことのないように‥。
　

追記:
この記事を書きながら色々なものを検索している最中に、うっかり『マツケンサンバⅡ　振り付け完全マニュアル　松平健編』をクリックして観てしまった。これがいけなかった。
真面目な記事を書く時は絶対に、笑える動画を見つけても絶対にそのボタンをクリックしてはいけません。

　

　

本記事はnoteで配信した同タイトル記事 (https://note.com/didiermerah/n/n349906a97ca2) より移動しました。

情熱のソングライター “Alejandro Sanz”

日本ではおそらく余り馴染がないだろう。だが、私はアジアの片隅からずっと注目し続けているのがこの人、スペインのシンガー・ソングライターのAlejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）だ。
　

先ずスペインのポップスを語る時に必要になるのが、フラメンコと言うジャンルだ。
日本人にとってフラメンコと言うと「オレーイっ」等と掛け声を掛けながら歌ったり踊ったりする、むしろ商業フラメンコの方だ。だがフラメンコと言っても奥が深い。
近年では音楽のジャンルとしては珍しいケースで、2010年にはユネスコによってスペインの無形文化遺産に登録されている。
　

『フラメンコの歴史と発展にはヒターノ（スペインにおけるロマ、いわゆるジプシー）が重要な役割を果たしている。』とWikipediaにも記載されているように、主にこのジャンルはロマによって演奏されたり歌唱されることが多く、そのロードムーヴィーとして有名な作品をあえて挙げるとすれば、映画監督 トニー・ガトリフ が監督を務めた『ラッチョ・ドローム』を私はここに挙げたい。
　

　
さて本当ならばここでフラメンコについての記述をもっと突き進めるよう、我が社「Didier Merah Japan」の社長から通達があったのだが、フラメンコのうんちくを書き始めるとフラメンコの紹介なのかそれともこの記事の主役である Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）の紹介なのかが本当に分からなくなるので、やはり悩んだ末ここは主役を Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）に譲り渡し、内容をシンプル化したいと思う。
　

一つだけ書き添えるとしたら、民族音楽的なフラメンコの源流は楽器「ギター」に始まる。大元はクラシックギターに民族的なモードが合わさったもの、それがいわゆる「フラメンコ」の原点であり、今多くの人たちがそのジャンルの名前を聴いて連想する「ダンス主体」「リズム主体」のフラメンコは観光産業を発展させる過程で商業的に発展を遂げた形の、一種の商業フラメンコであり、そもそものこのジャンルの源流に在ったテイストとは異なるジャンルと言っても良いだろう。
　

さらに元を辿れば、フラメンコの発祥は「アラブ地域」とする説がある。


『複数の移民同士が旅の途中で出会い触れ合い‥寝食を共にし、モード色の強いアラビック音楽とクラシックギターの奏でる和声（コード進行）が見事なまでに合体した音楽がフラメンコの発祥である‥』、とは誰も言っていない（笑）。
だがなぜか私はその源流発祥の光景をまるで昨日見て来たことのように知っている。

まぁ余りシュールなことを書き過ぎると古いタイプの音楽学者に呪われそうなので、この話しの文字起こしはここで一旦止めておく。
　

　
さて、肝心要のこの記事の主役 Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）が2021年冬に、アルバム『Sanz』を世に放った。
彼の場合はもともとスペインの民族的なモードを起点としたメロディーメーカなので、正確には彼の音楽を王道「フラメンコ」と呼ぶことは出来ない。だがしいて言うならば「ネオ・フラメンコ」と言った方がそれに近いだろう。

1968年12月18日生まれの Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）は、今年で52歳になる。まさに油の乗り切った世代の、王道の音楽を生み出す音楽家である。

　

　
アルバム『Sanz』では「ネオ・フラメンコ」的なテイストを持つ作品の他に、やはりここは営業を兼ねた意味合いなのか、M-2 “Iba“ のようなアメリカンテイストを持つ楽曲等も登場する。
正直アメリカに迎合するタイプの音楽をこのようなアルバムの中に見る度に、私は少しだけモチベーションが落ちてしまうのだ（笑）。

そもそもその民族にしか持ち得ないものを何故手放してまで、アメリカ万歳型の「売れ線」を狙わなければならないのかと、情けなくなるからね‥。
　　

だがその次 M-3 “Yo No Quiero Suerte“ で、まるでいきなり目が覚めたみたいに Alejandro が拳を振り上げて立ち上がる。
王道のフラメンコのテイストの楽曲と歌唱表現の奥に、これまた王道クラシックの失われた歴史の中の「ロマン派」のコード進行の断片が浮かび上がると、多くのリスナーの中にその当時の微かな記憶が呼び覚まされ、胸をかきむしられるようなノスタルジーに身も心も包囲されて、きっと誰もがそこから一歩も動けなくなるに違いない。
　
M-4 “Rosa“ ではアフリカ音楽にも通ずるリズムを刻んだ打楽器とコーラスに始まり、それはまるで人々が互いに行き交う旅の途中の光景のように次第にスペインのコードやモードと折り重なりながら、そこにしか生まれ得ない一個の音楽を形成し、成長して行く。
そして歌手 Alejandro はけっして、他の経験値の浅い歌手たちのようにヒステリックに絶叫するような愚かな歌唱表現には及ばず、朝起きてシャツを着てズボンのベルトをしめて歯を磨く為に洗面台に立つかのように、きわめて普通に生活するように楽曲を最後まで歌い切って行く。
　
そして M-6 でようやく、アルバムリードの “Mares De Miel“ がお目見えする。まるでアルバム全体が舞台を見ているような鮮やかな構成になっており、この曲がアルバムの中心をしっかりと支えているのがよく分かる。
　

　

上手く日本語翻訳に至ることは難しいが、歌詞も印象的だ。
　
人は何度も行き来し、生まれ変わり再びここに戻って来る。
私はあなたに戻り、あなたになった私は再び出会う。
それは輝きの瞬間。
僕は毎日美しい女性と出会い、その中に魂の友を見つけて歓喜するだろう。
あなたが私を導き、昨日までの私を変えて行くに違いない‥。
　

ま、ざっと言えばこんなことが綴られている。それが上のPVを見てもよく分かる。

このアルバム『Sanz』の中で最もフラメンコらしい一曲は、おそらく M-10 に収録されいる『Geometría』だろう。
勿論冒頭に書いたような「オレ～イっ」等と掛け声を掛けるようなリズム体ではなく、いわゆる「バラード・フラメンコ」と言ってもよい素晴らしい一曲だ。

そしてこのアルバムのオオトリは、フルオーケストラが楽曲全編を包み込んで抱きしめて行く『Y Ya Te Quería』。この曲で、アルバム『Sanz』が静かに幕を下ろす。
　

M-10『Y Ya Te Quería』を翻訳にかけてみると、まるで神々の人類への愛を感じさせる内容であることに気付く。
タイトルは「そして、私はすでにあなたを愛していた」と言う意味。
「わたしたちの中に、既に神々は種として宿っている、私は既に愛されていたのだ‥」と言う意味のセンテンスがリフレインで繰り返され、これは人類への新たな目覚めを呼び掛ける内容のバラードの大作だと言わざるを得ない。

　

　

既に目覚めた人たち、既に覚醒を始めた人たちが音楽家の中にこうして存在することに、私は歓びの涙を流さずにはいられない。
日々の小さなことに腹を立てている暇はないのだ。地球を想い、自然神を想い、地球の外の生命体に思いを馳せ、彼等と心から繋がる為の方法を模索し、その傍らで私も私自身の音楽を完成させて行く為の旅を止めてはならないと、今あらためて神に誓いを立てた。

　

アルバム『Sanz』を聴き終えた時、思わず感謝の念があふれ出る‥。それは深いため息とともに全身を下から上に駆け上がり、太陽を目指して放たれて行った。
　
私の心の深い場所と幾つもの惑星や、星々の自然神等との繋がりを得る度に、私は自身が音楽家であることを心から祝福する。そして小さな自分の存在の全てを、いつまでも愛し続けたいと願って止まない。
　

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情熱のソングライター “Alejandro Sanz”

日本ではおそらく余り馴染がないだろう。だが、私はアジアの片隅からずっと注目し続けているのがこの人、スペインのシンガー・ソングライターのAlejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）だ。

先ずスペインのポップスを語る時に必要になるのが、フラメンコと言うジャンルだ。
日本人にとってフラメンコと言うと「オレーイっ」等と掛け声を掛けながら歌ったり踊ったりする、むしろ商業フラメンコの方だ。だがフラメンコと言っても奥が深い。
近年では音楽のジャンルとしては珍しいケースで、2010年にはユネスコによってスペインの無形文化遺産に登録されている。

『フラメンコの歴史と発展にはヒターノ（スペインにおけるロマ、いわゆるジプシー）が重要な役割を果たしている。』とWikipediaにも記載されているように、主にこのジャンルはロマによって演奏されたり歌唱されることが多く、そのロードムーヴィーとして有名な作品をあえて挙げるとすれば、映画監督 トニー・ガトリフ が監督を務めた『ラッチョ・ドローム』を私はここに挙げたい。
　


さて本当ならばここでフラメンコについての記述をもっと突き進めるよう、我が社「Didier Merah Japan」の社長から通達があったのだが、フラメンコのうんちくを書き始めるとフラメンコの紹介なのかそれともこの記事の主役である Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）の紹介なのかが本当に分からなくなるので、やはり悩んだ末ここは主役を Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）に譲り渡し、内容をシンプル化したいと思う。

一つだけ書き添えるとしたら、民族音楽的なフラメンコの源流は楽器「ギター」に始まる。大元はクラシックギターに民族的なモードが合わさったもの、それがいわゆる「フラメンコ」の原点であり、今多くの人たちがそのジャンルの名前を聴いて連想する「ダンス主体」「リズム主体」のフラメンコは観光産業を発展させる過程で商業的に発展を遂げた形の、一種の商業フラメンコであり、そもそものこのジャンルの源流に在ったテイストとは異なるジャンルと言っても良いだろう。

さらに元を辿れば、フラメンコの発祥は「アラブ地域」とする説がある。
『複数の移民同士が旅の途中で出会い触れ合い‥寝食を共にし、モード色の強いアラビック音楽とクラシックギターの奏でる和声（コード進行）が見事なまでに合体した音楽がフラメンコの発祥である‥』、とは誰も言っていない（笑）。
だがなぜか私はその源流発祥の光景をまるで昨日見て来たことのように知っている。

まぁ余りシュールなことを書き過ぎると古いタイプの音楽学者に呪われそうなので、この話しの文字起こしはここで一旦止めておく。
　


さて、肝心要のこの記事の主役 Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）が2021年冬に、アルバム『Sanz』を世に放った。
彼の場合はもともとスペインの民族的なモードを起点としたメロディーメーカなので、正確には彼の音楽を王道「フラメンコ」と呼ぶことは出来ない。だがしいて言うならば「ネオ・フラメンコ」と言った方がそれに近いだろう。

1968年12月18日生まれの Alejandro Sanz（アレハンドロ・サンス）は、今年で52歳になる。まさに油の乗り切った世代の、王道の音楽を生み出す音楽家である。
　


アルバム『Sanz』では「ネオ・フラメンコ」的なテイストを持つ作品の他に、やはりここは営業を兼ねた意味合いなのか、M-2 “Iba“ のようなアメリカンテイストを持つ楽曲等も登場する。
正直アメリカに迎合するタイプの音楽をこのようなアルバムの中に見る度に、私は少しだけモチベーションが落ちてしまうのだ（笑）。

そもそもその民族にしか持ち得ないものを何故手放してまで、アメリカ万歳型の「売れ線」を狙わなければならないのかと、情けなくなるからね‥。

だがその次 M-3 “Yo No Quiero Suerte“ で、まるでいきなり目が覚めたみたいに Alejandro が拳を振り上げて立ち上がる。
王道のフラメンコのテイストの楽曲と歌唱表現の奥に、これまた王道クラシックの失われた歴史の中の「ロマン派」のコード進行の断片が浮かび上がると、多くのリスナーの中にその当時の微かな記憶が呼び覚まされ、胸をかきむしられるようなノスタルジーに身も心も包囲されて、きっと誰もがそこから一歩も動けなくなるに違いない。

M-4 “Rosa“ ではアフリカ音楽にも通ずるリズムを刻んだ打楽器とコーラスに始まり、それはまるで人々が互いに行き交う旅の途中の光景のように次第にスペインのコードやモードと折り重なりながら、そこにしか生まれ得ない一個の音楽を形成し、成長して行く。
そして歌手 Alejandro はけっして、他の経験値の浅い歌手たちのようにヒステリックに絶叫するような愚かな歌唱表現には及ばず、朝起きてシャツを着てズボンのベルトをしめて歯を磨く為に洗面台に立つかのように、きわめて普通に生活するように楽曲を最後まで歌い切って行く。

そして M-6 でようやく、アルバムリードの “Mares De Miel“ がお目見えする。まるでアルバム全体が舞台を見ているような鮮やかな構成になっており、この曲がアルバムの中心をしっかりと支えているのがよく分かる。
　


上手く日本語翻訳に至ることは難しいが、歌詞も印象的だ。
　

人は何度も行き来し、生まれ変わり再びここに戻って来る。
私はあなたに戻り、あなたになった私は再び出会う。
それは輝きの瞬間。
僕は毎日美しい女性と出会い、その中に魂の友を見つけて歓喜するだろう。
あなたが私を導き、昨日までの私を変えて行くに違いない‥。

　
ま、ざっと言えばこんなことが綴られている。それが上のPVを見てもよく分かる。

このアルバム『Sanz』の中で最もフラメンコらしい一曲は、おそらく M-10 に収録されいる『Geometría』だろう。
勿論冒頭に書いたような「オレ～イっ」等と掛け声を掛けるようなリズム体ではなく、いわゆる「バラード・フラメンコ」と言ってもよい素晴らしい一曲だ。

そしてこのアルバムのオオトリは、フルオーケストラが楽曲全編を包み込んで抱きしめて行く『Y Ya Te Quería』。この曲で、アルバム『Sanz』が静かに幕を下ろす。

M-10『Y Ya Te Quería』を翻訳にかけてみると、まるで神々の人類への愛を感じさせる内容であることに気付く。
タイトルは「そして、私はすでにあなたを愛していた」と言う意味。
「わたしたちの中に、既に神々は種として宿っている、私は既に愛されていたのだ‥」と言う意味のセンテンスがリフレインで繰り返され、これは人類への新たな目覚めを呼び掛ける内容のバラードの大作だと言わざるを得ない。
　


既に目覚めた人たち、既に覚醒を始めた人たちが音楽家の中にこうして存在することに、私は歓びの涙を流さずにはいられない。
日々の小さなことに腹を立てている暇はないのだ。地球を想い、自然神を想い、地球の外の生命体に思いを馳せ、彼等と心から繋がる為の方法を模索し、その傍らで私も私自身の音楽を完成させて行く為の旅を止めてはならないと、今あらためて神に誓いを立てた。

アルバム『Sanz』を聴き終えた時、思わず感謝の念があふれ出る‥。それは深いため息とともに全身を下から上に駆け上がり、太陽を目指して放たれて行った。

私の心の深い場所と幾つもの惑星や、星々の自然神等との繋がりを得る度に、私は自身が音楽家であることを心から祝福する。そして小さな自分の存在の全てを、いつまでも愛し続けたいと願って止まない。
　

(この記事はnoteより本ブログに移動しました。)

プレアデス人が常食する「長寿の実」

セムヤーゼ女史とは、昨日も長い時間をかけて会話をしていました。

現在プレアデス星団のEra星に住んでいると思われるセムヤーゼ女史ですが、ビリー・マイヤーの話しによれば彼女は或ることが切っ掛けで脳に大きな損傷を負い、その段階で一度ビリーの目の前でテレポーテーションを試みた結果、現実的には「消えた」ような状況に至ったようです。
その後「ダル宇宙」に建設されている脳外科病棟に搬送され、そこで長期的な治療に及んだ‥ とされ、その後のセムヤーゼの消息についての情報は全く出ていません。

そんな折私は、私自身に対する或るプレアデス星団の主要人物からの機械的な呪詛行為を受けたことが切っ掛けで、私の霊体に大きなダメージを加えられ、半ば一時期のセムヤーゼにとてもよく似た状況に陥りました。
その時から私はずっとセムヤーゼ女史と直接会話がしたいと願い続け、それがようやく叶いました。


この話しには未だ後日談その他色々な逸話がありますが、その詳細はここでは触れないでおきます。
　
彼女と本格的に会話を始めたのは昨年の暮れ頃からだったでしょうか。どこにいるかも分からない彼女に、私自らアクセスを試みました。最初一方通行の片思いに終わるだろう‥ と言う諦め7割 / 期待3割 と言ったところからテレパシー送信を開始したのですが、当時の私の弱弱しいテレパシーに対し、微かに彼女からの反応がありました。
　
私はただ、彼女と会いたい、そして彼女の療養の場所として地球を選んで欲しいと願っており、そのアテンドに私が名乗りを上げたいと単純に思っていました。
すると段々と交信が円滑に行くようになって来たところで、私たちの話題の矛先は思わぬ方向に舵を切ることになります‥。
　
（中略）‥ そして現在に至ります。

　

　
プレアデス人の平均寿命は約550歳から600歳。長寿と言われる人たちはそれ以上を生き、現在寿命の最高齢値は1,000歳とも言われていますが、その詳細は不明です。

彼等がそれだけの長い寿命を人間の1/10の速度で生きており、セムヤーゼの場合ですと現在の推定年齢が380歳くらいになるでしょうか。なのに見た目はその1/10の、地球人で言うところの30代から40代の女性と変わりません。
セムヤーゼはとても美しくエキゾチックな顔立ちをしています。
　
彼女の住むプレアデス星団のEraでは、主にプレアデス語を母国語とした、地球で言うところのドイツ語とロシア語の中間のような言語を話しているようです。
実はテレパシーで何度か私は、彼女の肉声と思われる音声をキャッチしたことがあります。低音でホワイトノイズの少ない、ベルベットボイスとも言うべき深い声質で話す女性です。
　
彼女のことをもっと詳細に語りたいところですが、先日私の元に全く間違ったセムヤーゼ情報を語るメッセージが投函された件もあったばかりですので、彼女の容姿に触れる情報についてはここでは省きます。

私は彼女の容姿を彼女自身のテレパシーで概ね受信しており、逆に彼女も私の顔や体型、或いは身体的な弱点を含む多くの情報を既に持っています。
よって、間違った情報に対しては、私は直ぐに分かります。
私がその間違いを指摘した時は過度な反発・反論を控え、是非とも迅速にご自身の持つ情報や知識に対し、正しく訂正・修正して下さい。

　

　
さて、プレアデス人がここまで長い寿命をキープ出来るには、理由があります。

そもそもプレアデス人も地球人も同じ祖先である「リラ星人」の血筋を持ちますが、リラ星人の寿命は私の記憶ではおよそ500歳～800歳くらいでした。一方地球人の平均寿命は概ね83歳から85歳で、プレアデス人と比べると比較にならない程短命です。
そもそもリラ星人は巨体の人種で、平均身長が約2～3メートル程、長い手足と、イルカのような質感の薄いピンクがかった肌色の皮膚を持ち、行動範囲は各々とても広かったように記憶しています。
　
そんな「リラ星人」を祖先とするプレアデス人が長寿を保てる秘訣の一つとして、現地に普通に生息する野生種の「エナジーチェリー」が大きく関係していると、セムヤーゼは語ります。
地球にあるよく似た植物を挙げるとしたら、おそらくコーヒーの実に相当するでしょう。
「エナジーチェリー」とはセムヤーゼ女史が私との会話を円滑に進められるよう、急遽名付けたHNのような名称で、実際には私には発音不可能な「ゴシュタンブシェット」？‥ と聴こえるような名前が付いている筈です。

何度かセムヤーゼが発音した音声をテレパシーで送ってくれたのですが、正直なところよく聞き取れませんでした。
　
ところでコーヒーの赤い実はとても酸味の強い、小さなベリー系のような味がするそうです。私も未だ、一度も口に含んだことがありません。ですが、セムヤーゼが語るには、「エナジーチェリー（ゴシュタンブシェット）」がコーヒーの赤い実と、味と成分が一番近いだろうと言うことでした。

　

地球ではコーヒーの実を生のまま食べる人は、殆ど居ません。なぜならばその酸味は、例えるならば赤い唐辛子を丸のまま口に含んで噛み砕いた時の辛味に匹敵するような酸味で、食べ方を間違えると失神する程強烈で心臓に良くないとセムヤーゼは言います。
なので私たちはコーヒーの実を炒って、それを湯通しして食す「コーヒー」と言う飲み物に変化させ、それが今の地球上どこに行っても常飲されるようになりました。

コーヒーの成分や効能についてはまだまだ未知の部分が多く、又地球の方々にある「薬事法」と言う壁が立ちはだかり、そうした食物の成分や効能を明記出来ない法律によって、多くの知識や情報が発信の壁に阻まれているのが現状です。
　
私もある時期までは大の紅茶党だったのですが、現・夫と再婚してからは夫が大のコーヒー党なので、それにあやかって何となく最初は渋々付き合って飲んでいるうちに段々とコーヒーが好きになり、今ではコーヒー成分が持つ「利尿作用」と格闘しながらでも一日1～2杯はコーヒーを飲むよう、食習慣が変化しました。

　

　
偶然ですが、2020年に私が配信したアルバム『World of Nature』の中の3曲目に、『Coffee Cherry』と言うタイトルで私も赤い実の印象を再現した作品を出していますのので、よろしければこの記事を読んだ後にでも是非お聴き下さい。

　

　

　
余談ですが今朝（2021年12月15日）、夫・天野玄斎氏がこんなツイートを発信していました。

　

　
これを目にした時、正直私は泣きそうになりました。
Twitterと言う気軽な空間にこのような言葉が出て来ると、多くの人たちは軽いつぶやきだと思って通過してしまうのでしょう。
でもこの短いツイートの中に書かれてある言葉は、とても大切なことです。
　
彼の言葉を読む時は、襟を正して心して、覚悟を決めて一語一語を心に留めて下さい。