第19回ショパン国際ピアノコンクール “ファイナルの演奏から見えて来るもの”

数日間の忙殺と体調不良が要因で、結局ショパン国際ピアノコンクール 2025′ のファイナルのリアタイを見逃してしまった。
だが思えばリアタイをあっさり逃すと言うことは、その番組やコンテスト等に体調不良を圧してまで試聴する魅力がなかったと言う予感をも意味する場合が多いので、きっとそうかもしれない‥ と言うモチベーションで後日YouTubeで実演動画を探って視てみた。
その結果、案の定ファイナルの動画から魅力的なショパンに出会うことはなかった。

私の予言とも言えそうな記事を数日前に書き残して、そこで私は今回のショパン国際ピアノコンクールに関する執筆を止める旨綴っておいたが、その予言通りにERIC LU氏が優勝した。
　

ERIC LU – third round (19th Chopin Competition, Warsaw)

だが、ファイナルの演奏を聴く限り華も何もないただのエントリー曲として設計されたショパンであり、それはショパン本人の霊魂が思うショパンの楽曲とはかなり異なっていたようだ。
　

ふとショパンコンクールを取材している過程で、以下の動画に突き当たった。

【ショパンコンクール】審査員の発言に波紋「音楽のためではなく、拍手のために弾いている人もいる」

これは今回のショパン国際ピアノコンクールで審査員を務めるクシシュトフ・ヤブウォンスキ氏の問題発言を、コンパクトにまとめた動画である。
　
1. 私はまだ本物の”ポロネーズ”を聴いていません。(1:22～)
2. ポロネーズはただ力強く弾く曲ではなく、誇りと気品を備えたポーランドの舞曲。それを”派手なショー”として弾いてしまう傾向にある。(1:40～)
3. 前奏曲は独立した小品ではなく、ひとつの連作です。(2:01～)
4. 音楽のためではなく、拍手のために弾いている人もいる。(2:44～)
5. ピアノはアクロバットではない。大切なのは内面の思索と知識です。(2:47～)
6. 芸術は再生回数では測れない。(3:42～)

　
特に気になったのはやはり、発言 [6.] だった。
　
最近はSNSのみならず音楽やその他の表現活動に於いても「ビュー (数)」がモノを言う時代だ。だがそのビューはあくまで瞬時的なものであり、特にSNS等で大量のビューを稼ぎ出す人たちの多くはタイトル釣りが上手な人であり、それらのタイトルに釣られて作品や動画に吸い寄せられて行く人たちの多くが実際の作品や動画を真剣には視ていない。
　
特に今回のショパン国際ピアノコンクール 2025′ に於いて私は、色んな意味でクラシック音楽の衰退期或いは絶滅へと進んで行く道筋を垣間見た。
　

　
私は国籍が日本なので、先ず話のネタとして桑原志織さんの演奏は聴いておく必要を感じYouTubeにアクセスしたが、動画の半分まで持たなかった。
Concerto in E minor, Op. 11をコンツェルト曲に選んでいたところは良いとして、ショパンの霊魂が熱弁をふるうところの「天上界の官能性」は全く彼女の演奏からは感じられなかった。
桑原さんの演奏は、日本式の感性で言うところの「優秀な演奏」だと思う。音楽を理解し、感じている風な顔芸と頭のガクンガクン振りながら演奏すると、確かに日本のコンクールの場合だと審査員ウケが良い。
だが如何せんこれは音楽ではなく、あくまで「競技と割り切って点数を取る為の演奏」だと言うことをコンテスタントの殆どが分かっているので、恐らくコンテスタントの大半が自身の表現スキルを放棄していると思われる。
つまり運動性に依存した再演と言う、これはそういう意味だ。
　
さらにはERIC LU氏のコンツェルト “Concerto in F minor, Op. 21” にアクセスしてみるが、セレクトしている楽器の特性が仇となり、オーケストラの、特に木管楽器の音域がピアノの音を完全に覆ってしまう。
又Fazioliのピアノは音の粒のアタックだけが機能するような設計になっている為、ペダルが全くその役割を果たさない。まるでツェルニーを聴いているみたいな演奏が続き、音楽にもショパンにも聴こえて来ない。
この表現の致命傷にERIC本人が気付いていないとしたら、表現者としては長く続かないだろう。
　

　
複数聴いた中で比較的正統派のショパンに近かったのが、William Yang (ウィリアム・ヤン) 氏だった。
だがこれはあくまで「審査脳」を一旦構築した中で、コンテスト脳を持ちながら聴いた感想なので、彼が仮にいち表現者として何も言わずに私の前でショパンのピアノコンツェルトを演奏したとしても、私は彼の演奏には全く惹かれないだろう。
コンクールの怖いところで、一度コンクールの審査脳を構築した人がそこから離れることはとても難しい。何を聴くにもミスタッチの有無を先ず検知し、いかに音の粒が正確か、いかにハイスピードで演奏し続けらるか‥ 等の審査の耳で全ての音楽を聴くことしか出来なくなる。
　
あくまで上記の条件で聴いたところではWilliam Yang氏が比較的良かったと言うだけであり、実際に鳴っている音楽はショパンとも音楽ともつかない床運動のような鳴り物だったと言っても過言ではないだろう。
　
今回はピアノメーカーの戦いも、背景にあったのではないだろうか‥。
ピアノによってこれだけ音質の違いを見せ付けられると、果たして本コンクールがコンクールとして平等なのか、正常なのか、正直個人的には疑わしい。
特にファイナルでは、以下の3銘柄のピアノの音色も競われたように思う。
・Fazioli
・Steinway & Sons
・Shigeru Kawai
　
上記3メーカーの中で比較的ショパンをショパンの意図に近付ける音質を持っているのは、Steinway & Sons だったと言えそうだ。
だがショパンの霊魂としては、ショパンコンクールのファイナルにベヒシュタインを使用するコンテスタントが現れなかったことを、とても嘆いていた。
　
確かにショパンコンクールの会場でバックにオーケストラを従えてベヒシュタインのピアノを鳴らすのは、かなりリスクが高い。ベヒシュタインのコロコロとどんぐりが転がるような音質では、空間の広さにもオーケストラの編成と音圧にも耐えられないだろうから。
　

　
ショパンが一つだけ後悔していることがあるとしたら、それは普遍性を重視した音楽作品を殆ど遺さなかったことかもしれない。
既にショパンが生きた時代には今で言うサロン・ミュージックが主流となり、多くの音楽家/作曲家は作曲よりもその再演に多くの時間とエネルギーを割かなければいけなかった。
今で言う「食べて行く」為の、音楽はその手段の一つに過ぎず、その為ショパンもショーアップに向く楽曲を大量に生み出す必要に迫られた。
　
流石にショパンはステージでパフォーマンスをせずとも音源だけで世に打って出られる時代が来るだろうとは、思ってもみなかっただろう。
さらには多くの作曲家が基本長生きしていない当時の音楽を現在に継承しているクラシック音楽の再演には、既に限界が生じている。
　
39歳で亡くなったショパンの続きは、誰かが後に再開する必要があるかもしれないと私は思っている。
60歳のショパン、80歳のショパン、さらには100歳のショパンが出現しても誰も文句は言わないだろうし。
　
ショパンコンクールの審査員 クシシュトフ・ヤブウォンスキ も述べているように、ピアノ演奏は早くアクロバットから卒業しなければならないだろうし、再生回数や演奏者のアイコンだけで人気を得るような価値観も一掃されるべきだ。
　

ショパン国際ピアノコンクール 2025′ (第19回ショパン国際ピアノコンクール) の入賞者の中から今後どれだけの入賞者たちが世界に羽ばたくのか、否か、私には全く分からない。
私だけでなく、ショパン本人にもそれは全く予測不能だろう。
何故ならばコンテスタント全員が、ショパンの声を聴けないのだから。
　
さて、ショパンの続きを再開する音楽家が今後出現するのかどうか‥、ショパンコンクールとは全く別の視点で私はその辺りをまさぐって生きて行きたいと感じた次第である。
　

RUBEN MICIELI – second round (19th Chopin Competition, Warsaw)

ショパン国際ピアノコンクール 2025′ が日に日にヒートアップしている。
私は全てのコンテスタントの演奏を追っては居ないが、直感で気になった演奏者の動画を後からYouTubeで試聴している。
一曲のタイムが長いことに加え、私自身が現在次のアルバムの構想に取り掛かっている為、本来ならば生活空間から音を抜いて行く時期に突入しているがそれを度外視していることには理由がある。
　

ショパン自身が語るショパン – 1. 演奏解釈と楽器について

　
さて本記事では、ずっと気になっていたイタリアからのコンテスタント/ ルーベン・ミチェリ (RUBEN MICIELI) の演奏を追って行く。
　

　
先に更新した記事『ショパン自身が語るショパン – 1. 演奏解釈と楽器について』にも少しだけ書いたが、そもそもショパンと言う表現者は虚弱体質であることに加え、当時の楽器は現代のピアノと違って音量が小さく音質もコロコロとしたやわらかさを持っていた。
その表現スタイルを自身の感性と上手くブレンドしてショパンを再現している一人として、私はルーベン・ミチェリの演奏と表現を高く評価したい。
　

楽器はSteinway & Sonsをセレクトしているが、スタンウェイの華やかな音質よりはショパンが存命だった頃のコロコロとして儚く切ない音質の再現に、今のところ誰よりも成功していると感じる。
だが如何せんここはコンクール会場であり競技場でもあるので、作曲学/ 表現手法の目線よりはもっと異なる演奏技法の解釈でジャッジメントする審査員の方が主流だろう。
だとしても「ショパン」を演目の看板に掲げている以上、ショパン自身が何を意図し、何を望んだのかと言う観点は持つべきだ。

　
冒頭の『Nocturne in C minor, Op. 48 No. 1』の、徹底的に自我を抑え込んだ表現は見事だ。
音質もエモーションもとことんセーヴした中で緩急をつけて行く表現スタイルはまさしくフレデリック・フランソワ・ショパン自身が望んだ音楽だと、ショパン本人が言う。
後半のフォルテの箇所もけっして打鍵をMaxに持ち上げず、一歩二歩抑えたフォルテで耐え抜いて行く辺りは圧巻だ。
　
その後、各楽曲と楽曲の間を置かずに粛々と時間が進んで行くプログラムの組み方に於いても、ショパン本人がとても納得していた。
中盤『Preludes, Op. 28』のシリーズから6曲を構成し、此方もタイトル通りにあえて小品として抑え込んで行く。
　

　
ショパン曰く、『プレリュードとは料理で言うところの前菜のようなものだ』と。
その‥ 前菜のような音楽として、ルーベン・ミチェリはそのエッセンスを見事の再現しているように思った。
前菜‥ つまりプレリュードにはメインディッシュのような個性的な主張を軽減させながら空腹の胃袋に控え目に食材を足して行く、引き算の感性が必要とされる。その条件を、ルーベンの表現が巧みに網羅して行く。

『Ballade in A flat major, Op. 47』に静かに侵入し、楽譜上ではアクセントの付いている『A♭』も叩き過ぎることなく、軽やかで重量のない音楽にまとめ上げている。
又ショパン本人が言うところの『パッセージは極力テキトーに上昇して行く方が官能的に聴こえる‥』と言う言葉を実際に聞いたみたいに、ルーベンは徹底して重さを抑えたショパンを再現している。
　

　
『Polonaise in F sharp minor, Op. 44』、多くの演奏者は冒頭を過剰に緊迫させて表現したがるが、ルーベンはそれをあっさり反転させて行く。
けっして音楽に緊張を与えない、穏やかだけども適度なダイナミックを持たせたまま中間部に入って行く。この何気なさがとても良い。
　
『ポロネーズ』と聴けば猫も杓子も華麗に、がむしゃらにダイナミックに弾きさえすれば良い‥ みたいなこれまでの (間違った意味での) 常識的なショパンとはうって変わって、長身と長く細くしなやかで柔軟性のある指を活かした表現スタイルは既に完成したショパンそのものだ。
　
全体を通じてプログラム構成も完璧だし、所々の運指の乱れはむしろ呼吸の浅いショパンの演奏を生き写しにしたとさえ感じ取れる程、とてもリアルだ。
　
あくまで私は作曲家としての視点、巫女として、さらにチャネラーの視点でショパンと接し、ショパンを解釈し各コンテスタントの評論をしているが、可能ならば一人でも私のような視点を持って音楽家を俯瞰する人材が増えて欲しいと願ってやまない。
　
ブラボー！ルーベン！🎉🍕
　
　

[音楽評論] “Ravel: The Complete Solo Piano Works” by Seong-Jin Cho (チョ・ソンジン)

久しぶりに目が覚めるようなクラシック音楽を聴いた。

本記事で紹介するのは、韓国から世界に放たれた近代音楽、モーリス・ラヴェルのピアノ曲集。
基本的にクラシック音楽のガチャガチャした感じが個人的に好きではないので、冒頭２曲で止めようと思った。だがM-3: “亡き王女のためのパヴァーヌ” で演奏者 チョ・ソンジンが覚醒する。

日本の近代音楽ピアニストの権威、安川加壽子（やすかわかずこ) の影響が強く染み付いた私にとって、近代音楽は「感情を一切込めない冷酷な音楽」と言う強いトラウマを植え付けらえる切っ掛けだった。
彼女の公開レッスンに実際に演奏者として参加した私は、そこで一気にドビュッシーもモーリス・ラヴェルも嫌いになった。

彼女の言う「感情を一切込めない音楽」とは半ば、エモーションを完全に手放したロボット的解釈のそれだった。だが肝心のラヴェルの音楽には緩急があり、程好い加減を心得た最低限のエモーションは必須だと言うことは、わずか小学校2年生の私でさえ理解に至った。
　

チョ・ソンジンの新譜 “Ravel: The Complete Solo Piano Works” を聴く限り、彼は安川加壽子の言う近代音楽の解釈は取り入れておらず、むしろ彼の解釈は感情過多に陥ることなく、その先のエモーションに到達しているように思える。

M-4: Jeux d’eau (邦題『水の戯れ』の解釈は、個人的にツボだ。
　

　
何を隠そう学生時代の私はこの曲を得意曲としており、数十種の解釈で日々演奏し分けていた。と言うのも複数人のピアノ教師に師事していた為、否応なく一曲を各々の教師の好みに弾き分けることを余儀なくされたからだった(笑)。
桐朋大学の権威者の元にレッスンに行く時は、いかにも権威主義的でいかつい近代音楽を大げさな身振り手振りで演奏しなければならなかったし、かと思えば藤井一興氏の自宅レッスンに行けばまるで私が元からフランス人に生まれた人みたく、流しそうめんをつるつる飲み込むようなラヴェルやオリビエ・メシアンを演奏しなくてはいけなかった‥。
　

兎に角私は何が忙しいかと言えばこの「弾き分け」で、母 (毒親) はそんなこととはつゆ知らず毎日私の練習中ミスタッチを見つけ出してはヒステリックに私の腕に爪を立て、皮膚を抉り、握りこぶしの関節が当たるように右目の眼球を殴り続け、そんな中で私がクラシック音楽など好きになれる筈もなかったわけだ‥。
　

ここで一つだけ余談を。
私が学生時代の頃は主のピアノメーカーはと言えば、YAMAHAかスタインウェイ (Steinway & Sons) だった。YAMAHAは高音域の音質が金属丸出しで上品さを欠いており、一方当時のスタインウェイの鍵盤は象牙が使用されているものが多かった。これが鬼門だった。
上記に触れたモーリス・ラヴェルの「水の戯れ」の中盤の盛り上がりで一カ所だけ、グリッサンドが書かれた箇所がある。グリッサンドとは、鍵盤を滑りながら打鍵する奏法で、これを象牙が完全に妨害するのだ。
　
そもそも象牙と言う材質は滑りにくい素材で、その上をあえて “f” (フォルテ) で滑り落ちるように手を移動させなければならなかったから、スタインウェイでこの曲を演奏した後には必ず右手人差し指の側面が真っ赤に皮が剥けて、包帯が欠かせなかった。
特にこの曲の場合は黒鍵を指のはらで滑らせて、高音から低音まで下降しなければならず、本番一回の演奏だけで人差し指の側面の皮膚が赤くただれてボロボロになる。

　
話をチョ・ソンジンのモーリス・ラヴェルに戻そう。
普段私は他の人のクラシック演奏をあえて聴かないようにしているが、それもこれもクラシック音楽の未進化具合に苛々して精神衛生上良くないからであり、クラシック音楽が良い意味でもっと進化すれば本当はもっと色々な音楽を聴きたくなる筈で‥。
　
チョ・ソンジンのこのアルバム “Ravel: The Complete Solo Piano Works” を今もヘッドホンで聴き進めているが、全体的にヒステリックさはなく、クラシック音楽奏者が持つエゴイスティックな嫌味を感じない。

世の中も音楽も同様に、実のところ「何も起きない」ことがベターなのだ。
だが多くのクラシック音楽の楽曲も解釈もドッタンバッタンと大げさなドラマを作り出し、これみよがしに権威主義を見せ付ける。それが「クラシック音楽の醍醐味」だと思い込んでいる現役の音楽家も、そしてクラシック音楽愛好家も共に多く、「何もない音楽」「何のドラマも起きない音楽」‥ つまり事件性の薄い音楽には価値を見出さない人たちが多数存在する。
だがそのような音楽を地球の外に持ち出すことは不可能だと言う現実の壁を、殆どの人々が知らずにいるようだ。
　
なぜならば、私が知る多くの地球外生命体たちは地球人よりも聴力と鼓膜が弱く、大きな音量には耐えられない。勿論そんな地球外生命体の面々に現在の地球上の音楽を聴かせようものなら、おそらく彼らは耳を強く抑えて、大きな声で「やめてくれ！」と叫ばずにはいられなくなるだろう。
　

ある意味私にとっても外敵さながらの現在の地球上のクラシック音楽集の中でも、幸いチョ・ソンジンのこのアルバムはギリギリ、地球外に持ち出せるクラシック音楽の一つとして地球外生命体の音楽愛好家等にも推奨出来そうだ。
但し音量はぐっと抑えめにして、彼らに聴かせなくてはいけないだろう🛸
　