LE SSERAFIM 新譜 ‘BOOMPALA’ OFFICIAL MV に潜む危険な状況

2026年5月22日に公開されたLE SSERAFIM の新譜 ‘BOOMPALA’ には、非常に危険なシグナルを感じずにはいられなかったので、その旨今回は本ブログに執筆したいと思う。

先ず、音楽評論ブログ「ディディエ・メラの音楽倉庫」にて、2026年5月22日の記事『LE SSERAFIM (르세라핌) ‘BOOMPALA’ MV TEASER』でも少し触れたように、LE SSERAFIMの新譜 ‘BOOMPALA’ の作詞/作曲両方のクレジットが判然としない点は、実際にMV及び楽曲が公開されたことによりむしろ明確になったようだ。
　

LE SSERAFIM (르세라핌) ‘BOOMPALA’ MV TEASER

　
ル・セラフィムの新譜 ‘BOOMPALA’ とLos Del Rioの ‘Macarena’ のクレジット欄を実際に確認したところ、以下のようになっている。
　

Macarena’ (Los Del Rio) :
Antonio Romero Momge / Rafael Ruiz Perdigones：作詞 / 作曲
出典元: https://ja.wikipedia.org/wiki/%E6%81%8B%E3%81%AE%E3%83%9E%E3%82%AB%E3%83%AC%E3%83%8A

‘BOOMPALA’ (LE SSERAFIM) :
Writers：Thom Bridges, Justin Tranter, Eren Cannata, SCORE(13), Megatone(13), “hitman” bang, JBACH, Celine Polenghi, Orion Meshorer & BLD
出典元: https://www.kkbox.com/tw/tc/song/4o9ECx-KtWt5m6OSoa

　
‘BOOMPALA’ の楽曲冒頭及び後半では明らかに Los Del Rio の ‘Macarena’ の楽曲をそのまま歌唱している箇所があるところを見れば、同曲（‘BOOMPALA’）のクレジット欄に当然のこと ‘Macarena’ の原作者である [Antonio Romero Momge / Rafael Ruiz Perdigones] 両者の氏名が記載されていなければならない筈だが、その記載は現在 (2026年5月23日) のところ見られない。
　

　
次いで気になった点が二点あったので、以下に列挙する。
　
・一点目は動画の随所に現れるヨガのポージングの映像と、それにともなう他の映像が、先に別のアーティストである藤井風の楽曲及びPV『It’s Alright』のテイストとかなり似ている点。
・二点目は歌詞に、「瞑想」「チャクラ」‥等のスピ系用語とも重なる、ある種の宗教性を想起させる用語が乱用されている点。

上記両方の点を重ねて見ると、やはり藤井風の『It’s Alright』の影響を強く受けた関係者がル・セラフィムの新譜 ‘BOOMPALA’ の楽曲の制作に、かなり深く関わっていると疑わざるを得ない。
　

【’BOOMPALA’ 歌詞より抜粋の和訳】

引き波に揺れる波みたいな気分
「永遠」なんてものは　もう手放すの
私はちゃんと　解き放たれたの
どんどん　夢中になっていく
これ以上ないくらい　本当の自分と向き合ってるの
自己愛がママなら　私はその子ども
毎日　心を無にして瞑想するの
　
（中略）
　
胸の奥　心を叩くようにリズムを刻んでる
自分自身を愛しながら　私は進んでいくの
私の魂のチャクラは　眩しいくらい輝いてる
ナマステ　ナマステ　私はこのまま目覚め続けるの
　
胸の奥　心を叩くようにリズムを刻んでる
信じるのは自分だけ　私が切り開いていくの
私の魂のチャクラは　眩しいくらい輝いてる
ワン・ツー・スリー　さよなら
　
Boompala boompala boompala yeah ‥‥
　
https://mizuki87.net/k-pop/le-sserafim-boompala-lyrics/

【It’s Alright（藤井風）/ 歌詞】

母なる大地は私の愛し子
父なる太陽は私のまなこ
この世は私の思わく通りに
今日とて可愛く回っています
　
Come, cry ur heart, cry ur heart out
Here in my arms, in my arms like
Ah ah ah ah ah ah ah ah
God is inside, is inside us
This is our time, is our time, thus
Sooner or later, we better know that
Everything is gonna be alright

It’s alright…

It’s all, right
Give it up, kama
Bring it on, Prema
　
（英語部分和訳）⇩
　
さあ、思いっきり泣いて、泣き尽くして
私の腕の中で、私の腕の中で
ああああああああああ
神は私たちの中にいる
これは私たちの時間、私たちの時間、だから
遅かれ早かれ、私たちはそれを知っておくべきだ
すべてはうまくいく
大丈夫… すべて大丈夫
諦めて、カーマ
さあ、プレマ
https://www.uta-net.com/song/390656/

　
藤井風と言えばサイババ二世のステルス布教で現在かなり騒ぎの元になっているが、藤井風の『It’s Alright』では実際にかなり気持ちの悪い映像が続く。
その宗教性をリスナーに強引に洗脳して行くようなテイストの映像がそのまま、ル・セラフィムの新曲 ‘BOOMPALA’ に引用されていると感じたのは、おそらく私だけではないだろう。
　
これは両楽曲共に共通して意図的に、作為的に仕組まれた「特定宗教」に於ける集団洗脳の可能性を（私は）疑わずにはいられない。
　

　
ル・セラフィムの ‘BOOMPALA’ と藤井風の『It’s Alright』、これがほぼ同時に世に放たれた現象に私は強い危機感を感じると共に、この件、藤井風がやれば大勢のアンチが同時に声を荒げて「ステルス布教」だと騒ぎ、ル・セラフィムが同じようなことをしたらファンダムが喜びKpop界が沸き立つ‥ と言うような状況をまかり通して良いのかと、個人的にはこの類似する現象に対しても大いに警鐘を鳴らさなければいけないと危機感を募らせているが、皆さまはどうお考えだろうか？
　

Vanoni, 私は貴女を忘れない (Vanoni, I won’t forget you)

サブのブログ『ディディエ・メラの音楽倉庫』に今年最後の世界の音楽、新譜チェックの記事を仕込んで居る最中に偶然出くわした曲、‘Procuro Olvidarte‘ を深堀りして行く過程で私は、往年のカンツォーネ歌手/ Ornella Vanoni (オルネラ・ヴァノーニ) が2025年11月21日に心停止でこの世を去ったことを知った。
　

　
ヴァノーニが健康的な生活を心掛けていたことをYouTubeのインタビュー動画等で見聞きしていただけに、2025年の最後の最後で私はただただ深い悲しみに暮れた。
　

　
私にとってイタリアは過去世に生きた土地。最近になって過去世の記憶はかなり鮮明に復活し、そこで起こった出来事を知ることも出来た。
イタリアやカンツォーネをこんなに愛している私は現実的には往年のカンツォーネ歌手とは殆ど会うことが叶わなかったが、インターネットの時代の手助けもあり、実は数名のカンツォーネ歌手 (ここでは名前は伏せたい‥) とメールでのやり取りがある。
　
だが、その中の誰からもヴァノーニの近況についての知らせはなかったし、以下のブログを執筆している最中に某カンツォーネ歌手 (勿論イタリア人) にも連絡を取ったが、先方の方がヴァノーニの訃報に驚いていた。
　

‘Procuro Olvidarte’ by José Mercé (Ornella Vanoniへの追悼を添えて)

　
冒頭に触れた曲 ‘Procuro Olvidarte‘ を歌っていたのが、フラメンコ歌手 (70歳) の José Mercé (ホセ・メルセ) であるが、上の曲はヴァノーニが ‘Perduto‘ (邦題: 失われた月日) と言う曲でカバーしており、私が大好きなカンツォーネ Top 10に入る一曲だ。
　

　
ヴァノーニは丁度私の母親の年齢にあたるが、親の死よりも悲しい報せをこのような形で受け取ることになるとは流石に耐え難い。だが、ヴァノーニが死の直前までこうして美しい歌声を響かせ続けて居たことが、何よりの救いだと思いたい。
　
実は2025年の11月中旬から12月の25日頃まで私は、久しぶりに短歌を編んでいた。たった一ヵ月強の期間ではあったが、300首近くの句を編んだ。
思えば1998年に一度、そして2003年にもう一度、幾つかの出版社から短歌集の出版のお声がけを頂いた。だが私はその当時心の病いの治療と音楽の仕事の多忙に挟まれ、歌集の出版には気乗りがしなかった。
三度目がどうなるかは予想もしなかったが、今回も句を読み始めて数日で二社の出版社から出版の打診のメールを頂いたが、やはり今回も三度目の正直で私はあっさり出版をお断りした。
　
私は自分が最も光る場所、そして私以外に誰も到達し得ない場所を既に知っている。私はそこから動くべきではないと言う神々のメッセージを同時に受け取り、その助言に私は喜んで従った。
同時にクリスマスの当日私は、短歌詠みをきっぱりと停止した。

https://note.com/didiermerah/n/nc1cd9e55ad45?app_launch=false

　
これでようやく音楽活動に集中出来ると思った矢先の、オルネラ・ヴァノーニの遅ればせながらの訃報は立ち上がれない程辛い。
だが、私は前を向いて進まなければならない。
　

　
以下は私が2025年12月、クリスマスに読んだ句である。

クリスマス‥
僕はいつでも脇役だから
オルガニストは真夜中に泣く
　
/筆名: 七澤銀河 (お題: 「クリスマス」)

　
色々な事が節目を迎える。そののろしは既に上がっており、私たちはその中を進んで行かなければならないだろう。
多くの別れも目にすることになるかもしれない。
　
幾多の思いを閉じ込めながらサビノ神父の名前を掲げたPLも更新したので、ここに貼っておきたい。
　

　
今年最高に悲しく、そして最高に美しく旅立って逝ったオルネラ・ヴァノーニのご冥福を、心よりお祈りします。R.I.P Vanoni 🌈
　

AI生成音楽 VS 藤井風

週末、音楽探索をしている過程で見つけたAI生成音楽動画に、足を取られた。
素材はSMAPの「夜空ノムコウ」(作詞: スガシカオ/作曲: 川村結花) 、それをニューヨーク・ジャズのテイストで編曲されており、そこに此方もAIと思われる黒人系ヴォーカリストの声が乗っている。
　

　
昭和～平成生まれの多くのポップス愛好家ならば、この曲を知らない人は先ず居ないだろう。
編曲も上手く出来ているし、むしろ原曲よりも此方の方が耳障りもテイストも良い。何度でも聴いていたい程の出来栄えだ。
　
‥と、この曲を聴いていると私の脳内マッチングシステムが作動し、藤井風の「PREMA」を指さした。
　

　
明らかにAIと藤井風は接近しており、上の2曲が同じ曲のように聴こえて来る。
　
最近AI生成音楽が一気に増殖している。それ自体を高く称賛することは出来ないが、製作者サイド或いはクリエイターサイドに居る多くの人材が出口を失い窒息しているのを感じてならない。

日本の売れ曲の上位を、アニソンが占めている。
アニソンの多くはテンポの速い楽曲が多く、尺が決まっていると聞く。およそ90秒/1曲の中にAメロ、Bメロ、サビからエンディングまでを仕舞い込んで行くには、当然一曲の速度を上げる必要が生じるだろう。
だが私の周囲のポップス愛好家たちの多くが、このハイスピードの曲に疲れている。
　
そこに速度の緩いR&Bのようなテイストの音楽が侵入して来れば、当然のこと、心変わりは避けられない。
私も同様の心境だ。
　
それにしても ‘AI MUSIC BOX‘ から配信された「夜空ノムコウ」と藤井風の「PREMA」の酷似性が何故生じてしまったのか‥、そこに大きな疑問を感じずには居られない。
もしもコピーが起きたとしたら、藤井風の方が「夜空ノムコウ」にインスパイアされた結果「PREMA」が誕生したと考えるのが、自然の流れだろう。もっと平たく言えば、藤井風の音楽自体が既にAI生成音楽の可能性が大だと言うことになる‥。
　

　
これは昔から続いている現象だが、良い音楽、良いメロディーを生み出すクリエイターの出口を、既存のレコード会社のディレクター職の人たちが頑なに塞いで来た。
これは私が身をもって経験して来たことなので、断言出来る。中には不適切な方法で仕事を勝ち取ったクリエイターも居ただろうが、長続きしなかったと思われる‥。
そうこうしているうちに「創作」や「リスニング」の基準が移り変わり、多くの音楽リスナーたちが最近では自分の満足の行く音楽に出会えない状況が増えている。
　
毎週末に更新されるディディエ・メラ監修の「世界の音楽」(主に新譜を中心に) を集めたプレイリストを聴いている人たちから、時々メールを頂く。そこには「ゆっくりと、尺が長くてメロウな音楽に触れられるのは、ディディエさんが監修したPLの中だけな気がします。」と言う内容のメールも多数見られる。
　
思うに今、シティーポップとR&B周辺の音楽に渇望している音楽リスナーが、急増しているかもしれない。
そこには理想のメロディーとコードがパッキングされた音楽があふれて居るが、そうしたテイストの音楽が日本のメジャーレーベルからは殆どリリースされていない。
従って、良い音楽に渇いて我慢が出来なくなった、実際には音楽の再現スキルを持たない人たちが、‥だったらAIと過去の名曲をカップリングして新しいスタイルのR&Bを機械生成してやろうじゃないかと立ち上がり始めた、まさに「イマココ」の状況だ。
　

　
YouTubeチャンネル ‘AI MUSIC BOX‘ は未だチャンネル開設から間がないが、多くの過去の日本の名曲と言われるポップスが新しい形のR&Bにジャズをハイブリッド化させたAI生成音楽が配信されているが、これらが仮にボタン一個で完成させられるとしても、ある程度知識がなければこの状況を完成形として配信することは難しいだろう。
年代的には昭和の空気を存分に吸った世代が、音楽ギョーカイへのリベンジのエネルギーを煮えたぎらせながら、卓をいじり倒しているように思えてならない。
　

　
但し‥。
AIにこのまま音楽業界を侵食させておいては、とても危険な状況になるだろう。何よりAIのクリエイトスキルでは、人間の作曲スキルを越えられない。
ヒトの脳の緻密さを、侮ってはいけない。
　
良曲や才能のある人材を卵になる前の段階で見抜ける人が、ディレクター職の中に居ない現状は致命的だ。要は、その階層をゼロから育成しなければ、何れJ-Pop界隈はAI音楽生成機器に駆逐される。
音楽家としては、それだけは何としても阻止しなければならないと思っている。
　
さらに付け加えるならば、藤井風の音楽が良い‥ 等と感じる感性はあながち間違いではないと言うこと。
良質なリスナーが、AI音楽生成機器とせめぎ合っているかもしれない藤井風の周辺に群がっているとしたら、’AI MUSIC BOX‘ や ‘Funny J-POP‘ 或いは ‘TOKYO BEATZ‘ 辺りに群れているリスナーがAI音楽の毒牙にヤられる前に、元ある音楽の聴き方、感じ方を取り戻させる必要に迫られている。

このところのAI生成音楽の性能が良いだけに、それは急を要する事態だと私は見ている。
　

　
　
以下に、ディディエ・メラ監修の最新のプレイリストのリンクを貼っておく。⇩
　

“Cafe Didier” Renewal and “Another Cafe” Updated! (2025/12/06)

‘Dios Dirá, Dios Proveerá’ by CURRO (+エッセイ)

一昨日から山のように、音楽を聴いている。
2025年の始まりから私は音楽にとことん突き放されて来たが、今週末は何かが違った。世界中で言いようのないエネルギーが目覚め、覚醒しているのをひしひしと感じる。
そして私は多くの音楽と出会い、彼らを探求して行く過程で新しい自分と何度も出会う。それは現実を突き放したところで起きるミラクルでもあるし、生命としては意外に当たり前のことなのかもしれない。
　
そして私はスペインのミュージシャン/CURRO (キュロ) の音楽に出会い、心臓を半周捻ってからその3/4だけが元に戻らないような不思議な感覚に見舞われている。
　

　
CURROのインタビューを読みながら、とても深い場所に渦巻く闇と希望と、ぞして絶望と自分の力ではどうにもならない運命に抗う為の凄まじい覚悟のようなものを感じながら、私はいつになく頭を抱え込んで今書斎に居る。
　

　
今日出会った音楽の中で、最もエキセントリックで最も悩ましくて、そして最も心臓がさざめき立つ音楽だった。
プレイリストの中に混ぜることによって音楽が危険に晒されるような、この言いようのない緊張感は近年余り感じて来ない感覚だ。だが私はそれでも、世界中の音楽を地続きにして行く為に混ぜて行く。
　
フラメンコとは何であるか‥。
¿Qué es el flamenco?
　
CURROの音楽はまるで、フラメンコとは行き場のない感情を押し出す場所だ‥ とでも言っているようで、私もそのような場所に走って行きたいと思う。
(El flamenco puede ser un lugar para liberar emociones que no tienen dónde ir.)
　

　
若い頃から受験勉強に慣らされて来たが、流石に61歳にもなって一気に16時間もノンストップで音楽を聴くことになるとは思いもしなかった。
その合間に短歌を編んだり、サブブログ『ディディエ・メラの音楽倉庫』に良曲を収納し、評論し、取り留めのないようで居て濃縮した時間が過ぎて行く。
そして最後の最後でCURROが難問をぶつけて来た‥。
　
何と破天荒で、‥なのにどこかとてもメロウで繊細で細くて柔らかい針金のような感性が、風を突っ切ってぶつかって来る。
　
このうえなく美しい時間を、私は堪能している。
　

関連記事:

‘In Case We Forget’ by The Yellow Diary

‘Maturity’ by Nadiaben

アレクサンドル・スクリャービンに関する考察

そもそもの発端はSNSのXでの雑談であったが、折角の機会なのでスクリャービン (Alexandre Scriàbine) について色々深堀りしている。
書籍でも企画等でもそうであるが、一人よりは二人、二人よりは複数での研究の方が勢いづくことが多いと思うが、時に二人が一人になってしまう事故が起きる。今朝の一件がまさしく、それであった。
　
話をスクリャービンに戻して、先ほどから色々な演奏者のスクリャービンを聴いている。
思い起こせば私は中学生からスクリャービンを弾き始め、大学生になった頃にはクラシック界が現代音楽一色に染まりかけていた。猫も杓子も現代音楽 (特に作曲科界隈で‥) に傾倒し、調性音楽等書いている学生はどこか馬鹿にされるような空気があった。
私は破壊芸術側の現代音楽よりも、実は調性音楽側のロマン派辺りの作曲家を好んだが、周囲にそれを話したことは一度もなかった。そもそも人目に付かぬように日本のポップス界のど真ん中に陣を敷いたわけだが、それすらかなり特殊な方法で私はレコード会社各社を跨いで駆けずり回ったものだった。
　
話をスクリャービンに戻そう‥。
新旧色々なスクリャービンを聴いているが、どれもしっくり来ない。多くのピアニストがピアノと言う楽器の根本を、分かっていない。ピアノの打鍵の瞬間の繰り返しを音楽だと思っており、音を出さない空間を音楽として捉えていないからだろう。
だが、ピアノと言う楽器はペダリングこそがピアノらしさであり、ペダリングを制覇しなければピアノを制覇したことにはならないと、私は思っている。
　

　
特にスクリャービンの音楽はロマン派から近代音楽に跨っている為、奥底に神秘の宝がふんだんに眠っている。それはモーリス・ラヴェルやクロード・ドビュッシー、或いはセルゲイ・ラフマニノフとも異なる、もっと曖昧な雲やガスのような色合いに近い不透明性とも折り重なる感性だ。
その不透明性を表現せずして、スクリャービンを演奏することは出来ないだろう。
　
だが多くのピアニストに見られるのは、胸をピーーンと張って「我こそが世界最高のピアニストなり！」と聴衆を威嚇しまくるような解釈だ。
ハキハキと打鍵し、スクリャービンの持つガス感や霞のような神秘性とは真逆の表現をして、寝た子を起こすような華やかな演奏をしているように思える。リストやブラームス、ベートーヴェンじゃあるまいし、寝た子はそのまま寝かせておけば良いものを、それらの暖かなヴェールを剥がしてしまったらそれは最早スクリャービンでも何でもない別の音楽だ。
　

　
誰彼の演奏が良い/良くない‥ と言う話のテーブルのベーシックすら完成していない状態で、音楽のネタを私に振って来ること自体どうかしている(笑)。
　
最近のクラシック音楽界は二極化しており、かたや古典やロマン派のオーソドックスな音楽を好むリスナーと、もう片方では破壊芸術やノイズ音楽にほど近い現代音楽の側を推すリスナーとに完全に二分している。
私はそのどちらでもないからこそ、自身の音楽を生み出しているわけだが、この「どちらでもないスタンス」の方が本来の音楽の進化の方向性だった点については多くの音楽家や音楽評論家が認識していないのが現状だ。
　
クラシック音楽に蔓延している「聴き比べ」の文化とでも言うべきか、そこを離脱しない限り、クラシック音楽界の成長や進化は望めないだろう。
　

　
数十年も前の音源を取り沙汰してああだこうだと言ったところで、録音技術も未熟だし、何よりクラシック音楽家の権威主義が厚く業界に根を張っているような世界で、新しい価値観が芽を出す隙など無くても当然だ。
　
古い演奏者の音源を論評するよりも、もっと空間音響の知識を身に着けたり、クラシック音楽の分析や解釈の底板を厚くすることに注力して欲しいと願わずには居られない。
　
色々なスクリャービンの音源を聴いて感じることは、スクリャービン自身が望む音楽や音楽性を再現している演奏家が殆ど見当たらないことだ。
楽譜を見れば一目瞭然、スクリャービンが何を思い、どの世界観を心に持ち、その高みをどのような心境で目指していたのか‥ 等、手に取るように分かる筈。だが、そこまでの推察を施している演奏者が現状殆ど見られないことが、ただただ残念で胸が痛く、そして切ないばかりだ。
　
現代のクラシック音楽界の「コンクール主義」や「タレント活動」体質、或いはクラシック音楽のアンバサダー主義が演奏者及び業界の見識を完全に歪めてしまっているのだろう。
そこに付け加え、クラシック音楽愛好家の「聴き比べ主義」が業界や文化そのものを衰退させていると、私は思っている。
　

もしも私に弟子と言う存在があったら、何を伝えられるだろうか‥。
勿論クラシック音楽界で生き残れる手段は伝授するだろうし、既存のコンテストにも出場させることがあるかもしれない。
だがピアニストとして長く生き残るには、それだけでは足りない。
先ずは作曲を教えなければならない。そして音楽の解釈、分析をきっちりと教え込んで、最終的にはオーケストラ全体をまとめる為の手法を伝授すると思う。
　
その上で、自分自身の世界を持つ方法を、きっと弟子には伝授することになるだろう。
　

　
肝心のスクリャービンであるが、私は上記のミハイル・プレトニョフの演奏解釈と、本記事の最後にリンクを貼るウラディーミル・アシュケナージの解釈が好みだった。
　

全く余談ではあるが、スクリャービン探索の最中に色々な音楽に遭遇した。
その中で、ピダルソ (𝗣𝗶𝗱𝗮𝗹𝘀𝗼) と言うピアニストが奏でる坂本龍一の作品『A Flower is not a Flower』に息を呑んだ。
坂本龍一氏の作品の中では最も美しい曲だと、個人的に好んで色々なバージョンを聴いてもいる。

ピダルソは多分韓国のピアニスト (兼作曲家) と思われるが、情報詳細は未だ掴み切れていない。
その動画を補足として、このブログの最後の〆に貼っておきたい。
　

音楽は全て繋がっている。そして時間も時空も超えて行く、とても不可思議な生命体である。
　

関連記事:

5 Preludes, Op. 16: No. 1 in B Major by Vladimir Horowitz

最後にこの記事を書く切っ掛けを与えて下さった某人へ、感謝の意を表したい。
もう二度と関わることはないかもしれないが、このような良い機会を得られたことはとても貴重な宝だったと思う。

‘SPAGHETTI (feat. j-hope of BTS)’ by LE SSERAFIM (르세라핌)

ショパン国際ピアノコンクール関連の記事が未だ未完成ではあるが、毎週末の禊である「世界の音楽/ 新譜チェック」は絶対に欠かせないので、昨夜から聴いた数千曲の中でもひと際目を引いたLE SSERAFIMの新譜『SPAGHETTI』の表現評論その他を此方のブログに抜粋して書いておきたい。
それ以外の音楽紹介及び音楽評論記事は、サブブログ『ディディエ・メラの音楽倉庫』に格納しているので、是非そちらをどうぞ。⇩
　

https://didiermerahbox.wordpress.com/

　
さて、最近やや勢いが止まりつつあるKPopから、LE SSERAFIMが一歩飛び出したような印象がある。新譜‘SPAGHETTI (feat. j-hope of BTS)’ のM/Vを見る限り、グループとしてまとまった感＋宮脇咲良と末っ子ウンチェの描き方が突出して良くなった印象を受けた。
　
この曲 ‘SPAGHETTI’ はラップ部分が多く、これまで何かとヴォーカルの格差が目立っていたLE SSERAFIMの短所が綺麗にカバーされている。
又メンバーの数名が短く髪をカットし、特に宮脇咲良の表情に芯が出て来たのが印象的だ。
キム・チェヲンとホ・ユンジンの二名が突出してヴォーカル力及び表現力を持っている為、両名になかなか追い付けずに居た他のメンバーがネット上でファンダムに叩かれる現象が後を絶たなかった。
そもそも人の能力にはデコボコがあるからこそそれが個性となって輝いて行く筈が、多くのファンがそれをネガティブ要因として捉えていたのはやはりHYBEの戦略ミスによるメディアのイジメ体質の誘発とも言えるだろう。
　
新曲 ‘SPAGHETTI’ 、楽曲も悪くない。
　

　
作詞/作曲にはj-hope、宮脇咲良、ホ・ユンジンの名前がクレジットされているようだ。

NewJeansのユニット名には「老若男女、誰からも愛される新しいジーンズのように」‥と言う名前の由来があったようだが、LE SSERAFIMの新曲 ‘SPAGHETTI’ を例えるならば「誰でも好きになるスパゲッティーのように‥」みたいな一曲と言えるだろう。
　

途中のj-hopeのラップや抜き出し方もジャンキーながらもなかなか切れが良くて、ジャンク嫌いの私でさえも楽しめる。
　

　
個人的には宮脇咲良のショートヘアが気になって、そればっかり視ていた気がする(笑)。
今回のM/Vでは咲良のショットも多く使用されており、隠れファンとしては非常に嬉しい。
　
最近色々不穏な噂がささやかれているHYBEだが、噂とは裏腹に意外に元気そうではないか。
HYBE Latinの新しいボーイズグループ「サントス・ブラボス」がデビューを間近に控えていると言う話もあるが、そちらは (これはあくまで直感ではあるが‥) 余り上手く行くような気がしない。
　

やはりKPopは韓国の産物であり、それを筋肉ムキムキの韓国 (日本含む) 以外の汗臭さ満載の外国籍のアーティストが歌ったり踊ったりしても、さほど面白くはない。
それはKATSEYEが全く面白くなかったのと同様で、今はNewJeansの活動休止の穴を複数のKポアイドルグループが埋めているような状況だと言えるだろう。
　
その中で、LE SSERAFIMは比較的頑張っている方だと思う。
　

　
この記事はこれで終わりだが、他の音楽評論記事のリンクも一部載せておきたい。⇩
　

“Shine for Me” by drewboi feat. h3hyeon

“KROK” by СОЮЗ / SOYUZ

“FOCUS” by Hearts2Hearts(하츠투하츠)

　
毎週末に更新しているSpotifyのメインのプレイリストのリンクは此方から。⇩

この記事で紹介したLE SSERAFIM の ‘SPAGHETTI (feat. j-hope of BTS)’ は、以下のプレイリスト “Romantic Seoul 2025. 1.“ M-86に格納しています。⇩

【”I Need U Back” [Official video] by 藤井風】を分析する (Analyzing “I Need U Back” [Official video] by Fujii Kaze)

2025年10月9日、夜、藤井風の『I Need U Back』の動画をYouTubeより公開した。
　

　
冒頭から藤井風が、マイケル・ジャクソンの『Thriller』級のメイクアップで映し出され、動画の最後まで藤井はメイクの仮面を一切剥ぎ取ることなく主役を演じ通して行く。
　

　
楽曲『I Need U Back』は曲調の観点では、80年代に流行ったロックに同時代のアメリカン・ポップスを足したような一曲で、特に目新しさは感じない。
おそらくこれは藤井風と言う一風宗教的なアーティストを欧米圏に無難に浸透させる為の、プロデューサーサイドの戦略とも言えそうだ。
　
ふと、この動画を視ながら私は、メキシコの祭り『死者の日（ディア・デ・ムエルトス）』を思い出した。実際に一度だけ私はこのお祭りに足を運んでおり、当時の空気感が藤井風の『I Need U Back』のオフィシャルビデオにかなり色濃く反映されているように感じた。
　

※メキシコには「死者の日（ディア・デ・ムエルトス）」という、故人を偲び、明るく楽しく祝うお祭りが毎年11月1日と2日に開催されます。お盆に似た行事で、マリーゴールドの花やロウソク、ガイコツの砂糖菓子、パンで祭壇や墓を飾り付け、家族の絆を祝います。街中ではパレードやガイコツメイクの人が溢れ、メキシコを代表する伝統的な文化の一つです。
(AI説明より)

　
勿論、藤井風の『I Need U Back』オフィシャル動画の中にはリオのカーニバルをも彷彿させる衣装を着た演者も居れば、ハードロックテイストの衣装を着た演者等も紛れているが、時期的な条件を考えるとやはりメキシコの『死者の日』を強く意識した作りになっているように思われる。　
　

　
これまでの藤井風のインド色を徹底的に封印し、動画にはロザリオ (十字架) をあえてシンボルとして印象付けるような演出も施され、最近SNS等で声高にささやかれている『藤井風 ⇨ サイババ二世 ⇨ ステルス布教』の風向きを頑なに否定するような向きも感じられる。
　
確かに曲調がアメリカンロックを強く意識しているのだから、この楽曲にインドカラーは不向きであろう。とは言え、のっけから藤井風がギャンギャンにメイクを施し、若かった頃のデヴィッド・ボウイみたいな顔で現れると流石に違和感が先に立つ。
　
　
デヴィッド・ボウイ ⇩

　
　
藤井風 ⇩

　
さらにこれまでの藤井風の持ち曲と一線を画すものがあるとすれば、それは歌詞の内容だろう。『I Need U Back』では死の色よりも「生」とか「躍動」と言った、死生観で言うところの「生」の側が生々しく描かれている。
だが、やはり背景にはメキシコの『死者の日（ディア・デ・ムエルトス）』の影が立ち込めている辺りは、やはり藤井風の中にも捨て切れない宗教観のギリギリのラインだけは維持したいと言う、意地のようなものがあったと見るのが妥当かもしれない。
　

Spotifyで聴くとM-1: “Casket Girl“ からM-2: “I Need U Back“ が曲続きになっており、単体では聴かないでよ‥ と言う藤井風のアルバム試聴に対する裏の意図が見えるが、この演出が果たしてどのくらいリスナーに影響を与えているかについては判然としない。

さらにこれは偶然とも必然とも付かないタイミングだが、ふと‥ Michael Jackson の『Blood On The Dance Floor X Dangerous』の動画がこのタイミングでYouTubeのぶら下がりに浮かび上がって来たので視てみると、なになに‥
藤井風の『I Need U Back』の動画構成とかなりかぶっているではないか!!(笑)。
　

　
これこそ神にお導きとでも言うべきか否かは私には分からないが、藤井風が仰ぐ神とは一体何者なのか‥、各動画を視ながら私なりにさらに分析を進めて行きたいと言う好奇心に駆られたことは言うまでもない。
　
残念なことに、藤井風はダンスもヴォーカルもカリスマ性に及ぶ全てに於いて、マイケル・ジャクソンの足元にも及ばない。どんなに動画構成を真似たところで、両方を見比べたリスナーは結果的にご本尊を選び取るだろうし、マイケル・ジャクソンの神々しさを追い掛けることぐらいしか藤井風にはなすすべがないだろう。
　
最後に付け加えるとするならば私は、藤井風のファンでもアンチでもない、ただの芸術家であり音楽評論家である。なので音楽 (ないしは表現) と言う切り口で物事を分析し、粛々とそれらを評論しているに過ぎない。
その上で、藤井風の新しい動画『I Need U Back』の出来栄えを点数にするならば、百点満点の63点と言ったところだろうか‥。
この記事ではあえて藤井風 VS マイケル・ジャクソンと言う切り口で綴ってみたが、意外に分かりやすい表現分析ではなかったかと思っている💃
　
　

■ 追記 ■

SNS界隈でも噂になっていた番組、『「完全版」藤井風 NHK MUSIC SPECIAL【藤井風いま、世界へ】 Fujii Kaze 2025.10.9』を、遅ればせながら (2025年10月10日の早朝に) YouTubeで試聴した。
　

　
この動画の中にも、やはり藤井風に潜む多くの人格がスポットに現れては消え、又現れては消える‥ を繰り返していたように見える。
　
一つ分かりやすい彼の動向の癖を挙げるとするならば、「実際には何も無いところに物があるように見せ掛ける小技 (こわざ) 」が非常に巧みであると言うことだろう。
そもそも彼には音楽の基礎教育すらないわけだし、英語がネイティブ言語と言うわけでもない。だが、そこに才能とスキルとアイディアが元々あったように、動画の中でも後付けの見せ掛けを企んだ箇所が随所に見受けられた。
　

　
特に250 (イオゴン) との作業風景にそれが特徴的に現れており、藤井の行動の大半が過去の情報やデータの再編集で成り立っている点が悪い意味で印象的だと感じた。
　
無いものをあるように見せ掛けて商品として完成させて行くプロセスは昭和の時代からそのまま引き継がれて来た商業音楽の定番スタイルであり、ディレクターの存在がほぼ皆無でも音楽制作が成立するようになった現在の音楽シーンではむしろ、致命的な欠落を見落としたまま商品を完成させてしまう悪状況を引き寄せる。
250 (イオゴン) との作業に於いてはそれが顕著に露呈しており、そのプロセスが藤井風の新譜『Prema』全域に及ぶ過去の『焼き直し感』に直結したように、私には視える。
当然のこと、NewJeansを担当した時の250 (イオゴン) の切れが冴え渡る筈もなくそれが、藤井風の『Prema』に於いてはアルバム全体のさびれた印象を増長させた。
　
そもそも250 (イオゴン) の特性として、新しいものを懐かしく魅せて行く演出や編曲、ミックス等を得意とする人ではないかと思うが、元々古くて懐かしいサウンドをノスタルジックに焼き直す作業を250 (イオゴン) はむしろイオゴン自身、苦手とするスキルではないだろうか。
その苦手な方のデメリットが藤井風のニューアルバム『Prema』に露呈した結果、音楽単体では日持ちのしない作風に繋がったように思えてならない‥。
　

【■ 追記 ■】から後は、一度完成させたブログ記事とは別に付け足した箇所である。
記事を割っても良かったが、私のブログが藤井風ネタばかりになる状況にはしたくなかったので、繋げて加筆しました。
　
　

関連記事:

藤井風と多重人格の可能性について

Tomoharu Ushida vs Didier Merah – B Major 楽曲と表現の比較検証

ショパン国際ピアノコンクール 2025’、一次予選を通過した日本の演奏者の中で黒一点の牛田智大さんの一次予選の演奏を聴いてみる。
　

　
冒頭曲は私も大好きな『Nocturne in B major, Op. 62 No. 1』であり、さらに私/ディディエ・メラ (Didier Merah) が最も得意とするKey (調) でもある『H-dur (B Major)』の一曲だ。
大好きな曲だけにダンボの耳で演奏を聴き進めて行くが、‥どこか牛田の演奏の中に汗臭さと労働もしくは体育会系の気配がチラチラとするので、集中力が維持出来ない。
　
この曲自体がそこはかとなく西洋音楽以外に、中東～アラビックなモードが立ち込める構成になっており、その意味でもショパンの中では珍しく『モード音楽』の様相を呈しているのではないだろうか。
その肝心要のモードの部分 (動画 6:58～7:10付近) のパッセージがいとも簡単なスケールやアルペジオと言った解釈で、ただ、粒を揃えているだけのつまらない表現になっていて、個人的にはかなりの残念ポイントだと言わざるを得ない。

まぁこれはピアノ競技の審査会であるわけだから、表現よりもミスタッチの有無や演奏者の正確性の密度だったりスタミナだったり、言ってみれば表現解釈度外視でも運動性に依存した演奏解釈の方が審査員の印象が良いのかもしれない‥ としても、果たしてショパン本人がそれを目論んでこの楽曲を生み出したのかと言われると、巫女体質の私としては『多分違うと思いますよ。』と回答せざるを得ない。
　
　

　
2曲目『Etude in C major, Op. 10 No. 1』については特に述べることもなく、普通に音大生が演奏するレッスンのエチュードと言う以外に何のインパクトもなし。
　

次いで3曲目『Waltz in A flat major, Op. 42』に関しては、野球に例えれば『2アウト/2ストライク/3ボール』の見せ場を迎えている状況に近いだろう。
ショパン好きの私としては、ショパンと言えば『天上界の音楽を生み出し奏でた作曲家』だと言いたい。だが、牛田のこの表情はまさしくスポーツで言うところの『もう後がない』状態のそれであり、わざわざこの表情を抜き取ったTVのADさん‥ 『グッジョブ!!』と言いたい心境だ(笑)。

各パッセージは確かに正確で粒は揃っているが、表現に到達出来ていない。これだったらむしろ、自動演奏で十分だ。下手にヒトの顔が無い分、音楽に集中させてくれるに違いない🤖
　

　
さて4曲目『Barcarolle in F sharp major, Op. 60』、此方も私が大好きで得意とする『H-dur (B Major)』の曲で攻めて来る。途中何度か6度の和音のアルペジオの箇所が現れるが、その6度の最も官能的な響きを単純にスポーツ的な解釈であっさり通過して行きやがった牛田選手(笑)⚾

ほぼ全てのパッセージが『俺、ミスなく正確に弾いていますよ』とでも言わんばかりの、正真正銘のただの運動性依存の演奏に終始している。
確かに審査員にとっては遠目でも分かりやすいだろうが、これはショパンでも何でもない。
途中の転調 (19:31～付近) に至る最もショパンらしさが書かれている筈の箇所も、まるで階段を上り下りするリハビリみたいに通過して行く‥。
もうたまったものじゃ～ない。
　

ここで少しだけ動画を止めて、私/Didier Merahがショパンをオマージュして作って配信したアルバム『Eden』の冒頭曲、『Happiness』に移動して試聴してみる。
この作品も、私が大好きな『H-dur (B Major)』の楽曲だ。
　

　
先ずこの作品はベーゼンドルファー (Bösendorfer) の音源を用いて、即興演奏の手法で演奏されている。
ベーゼンドルファーは残響に特徴があり、その特徴である残響の効果を存分に発揮させるには、楽曲のテンポをうんと落とす必要が絶対的に生じる。
私は実際に都内各所でベーゼンドルファーの生楽器を演奏しているが、それらのどの楽器もかなりのじゃじゃ馬気質を持っており、特に高速のパッセージの速度を間違うと残響が濁ってしまうのが悩みの種だった。
　

『Happiness』の作曲を開始する上で重要だったのは、『60歳のショパン、もしくはそれ以後の覚醒したショパン』をオーパーツとして再現することだった。
既に亡くなったフレデリック・ショパンの御霊と何度も交信を重ね、完成したのがこの作品であり、この曲は完全に一発録音の即興演奏で収録している。
　
ことさら比較するまでもないが、Didier Merah (ディディエ・メラ) の『Happiness』が「覚醒後のショパン」だとしたら、既存のショパンの楽曲は「未覚醒のショパン」と言い替えても良いだろう。
未覚醒のショパンをどんなに丹精込めて演奏したとしても、そもそも楽曲自体の熟成が為されていない以上それを極限の状態で誰が再演したとしても、『それなり』以上の出来栄えにならなくても致し方ないと言えそうだ。
　

クラシック音楽の起承転結は、私から言わせて頂ければ「不要」な箇所である。
覚醒した魂には普遍性がともない、ヒトが思うエモーションは徹底的に弾き飛ばされる。ショパンが目指していたのはその世界観であり、それゆえに「天上界の音色」を日夜彼は追い求め続けたと言える。
選手/ 牛田智大は日本国内では既にプロの演奏家として活動しており、多くのリスナーを抱え込んだ状態での今回のショパン国際ピアノコンクール 2025’へのエントリーである。勿論運営サイドも、既にファンを獲得しているこういった出場者には期待を寄せるだろうし、そこそこ演奏技術を兼ね備えていればある程度の点数を叩き出して行くと思われる。
　

クラシック音楽が芸術を踏み越えて「商品」になることは絶対にあってはならないと、私は考える。だが、多くの既存のクラシック音楽関係者等には、その観点がない。
いかに見栄え良く、いかに稼ぎいかに集客を達成し、いかに食って行けるか‥。その技能を持つ人材を、クラシック音楽関係者等は血眼になって探しているに違いない。
その観点で言えば、男性演奏者で尚且つ日本国内に多くのリスナーを抱え込んでいる (半分以上は事務所の采配) 牛田選手が、今後同コンクールで上位に食い込んで来る可能性は否定出来ないが、彼が表現者になることは未来永劫ないだろう‥ と、先に予言しておきたい。
　

最後に付け加えるならば、既存のクラシック音楽の、特にピアノ曲のミックスのエフェクトがからっからに乾いてしまっている点が残念だ。

レコーディングされた音源のエフェクトが乾き切った肌みたいにかさついているから、多くのクラシック音楽のリスナーは『やっぱり生演奏がいいよね。』と勘違いするのも頷けるが、これはミックスとマスタリングの技術と感性の致命的な欠落が原因だと思われる。
何故実際の会場に近い環境の、もっと深いエフェクトを掛けてミックスしないのかと、常々疑問に感じている。
その観点から、クラシック音楽の生演奏が突出して優れている訳ではない‥ と言う点は最後にお伝えして、この記事を締めくくりたいと思う。

ARISA ONODA – first round (19th Chopin Competition, Warsaw)

ショパンコンクール 2025′ が開幕している。
未だ一次予選中なので全ての演奏者の動画を視たわけではないが、一人だけ際立つ演奏者を見付けたのでメモ代わりに簡単にブログを更新しておきたい。
　

演奏者はアリサ小野田 (小野田有紗) さん。

1996年1月16日生まれ。ロイヤル・アカデミー・オブ・ミュージックおよびニューイングランド音楽院の卒業生である彼女は、現在ダン・タイ・ソンのもとでオーベルリン音楽院のアーティストディプロマとして学んでいる。
── https://www.chopincompetition.pl/en/competitors/751

　
冒頭の『Nocturne in C minor, Op. 48 No. 1』から、滾々とリスナーを惹き込んで行く。
音色は上質なコニャックをも思わせ、通常この曲を弾く人のストレッチ的 (体育会系) な演奏解釈とは一線を画す。
かなり大きく間を取った解釈も間延びすることなく、一つ一つに意味を持たせて行く。
特に右手の合間の左手の上声部にコントラストと持たせる解釈は、ピアノを完全にオーケストラとして捉え抜いている証しのようにも思える。
　
体力的にはさほど逞しいわけではなさそうなので、時々音の乱れとスタミナ不足が垣間見えるが、そもそもピアノ演奏はスポーツではないし、そう言った点に注目を寄せたがる人たちの一人には私はなりたくないと思いながら聴いて行く。
　

　
一次予選は各自、約30分間のプログラムを演奏する構成になっており、これまで拾い聴きした多くの演奏者を私は多くて5分試聴して切り上げている。
だが、彼女は違った。
　
ラスト曲『Ballada g-moll op. 23 / Ballade in G minor, Op. 23』は、シンプルな楽曲ながら難曲だ。
私は如何なるコンクールであっても運動性に依存した耳や感性で演奏者を判断すべきではないと思っているが、審査員の多くはミスタッチの有無や均一な運動性を重視するようだ。

その意味ではアリサさんは若干、不利かもしれない。おそらく元々彼女が持っている体力的な事情だと思うが、プログラムの中盤で既にバテ気味とも取れる箇所が複数見受けられる。‥だが彼女には、それをものともしない類稀な感性と柔軟性を秘めている。
それがラスト曲のバラードで炸裂する。
　
通常最高音を最高強度のタッチで打鍵するこの曲を、高音に音が流れて行くにしたがってむしろ音量をグっと抑え込んで行く辺りは、プロと言われる演奏家でもなかなかお目にかかれない上質な奏法 (解釈) だ。
それが彼女の場合、当たり前のように随所にその奏法が現れる。その度に一瞬身がすくむような緊張感が走るが、直ぐに解き放たれる。
この、緊張と解放の出し入れを当たり前にこなす演奏者は、そうそう現れないだろう。
　
小野田有紗さんのプロフィールに、師匠 ダン・タイ・ソン の名前が見られたので試しにサブスクで師匠の方のショパンを聴いてみたが、正直つまらなかった。
　

クラシックに限らずシャンソンやジャズでもよくある話だが、現役の傍ら育成業に手を染めた演奏家の表現は途端に面白くなくなって行く。
ひとえにこれは、普段から弟子の粗捜しの耳になって行くからではないかと私は思っており、その意味で育成業に完全に染まり切らなかった恩師三善晃氏のピアノ演奏は、最後の最後まで天井の音楽で在り続けたのだから凄いとしか言いようがない。
　

アリサ小野田 (小野田有紗) さんがこの先、ショパンコンクールでどこまで残って行くかは定かではないが、是非ともコンクールと言うイベントに囚われずに長く演奏活動を続けて行って欲しいと、願わずには居られない。
　

“Nino” (EP) – by Chouchou

　
数日前からいきなりのタイミングでX上で告知を開始した日本のポスト・エレクトリック・ユニットの『Chouchou』が、2曲 (voc.入り) + 2曲 (Inst. ) の計4曲のEP『Nino』の配信を開始した。

最近のChouchouの音楽性 (商品性) に不安定感が否めず、紹介や評論の対象から彼らを外していたが、今回の新譜はなかなか良い出来栄えになっている。
かなりKPopの流れを意識している辺り (特に韓国の電子系プロデューサー/250 イオゴン) が目立ってはいるが、さしずめ日本発信のアナザー/KPopとでも言うべきか、それはそれで作品としてはかなり洗練されて来たような気がする。
　
やはり juliet Heberle の蜉蝣系ヴォーカルと詞の世界観が、arabesque Choche のメロディーメイクを一層際立たせているように感じる。julietも本作品では低音域に徹しており、それが人の話し声の声域をはみ出さない分安心して聴いていられる。
本作品では arabesque Choche もコーラスで参加しているが、彼の声質はどこか楠瀬誠志郎を想起させる。彼はコーラス向きの声質だと思う。
　
彼らの一時のポスト・エレクトリックのゴリ押し感が軽減されたことに加え、今回はMVにリアルの人物や風景が一切登場しない、とてもメルヘンな絵図に仕上げていることで、かえって音楽やjulietの声に集中出来るのが良い。
　
EP2曲目『Jelly Jelly』は彼らの旧作『最果のダリア』のM-3: “Lovers & Cigarettes” の上位互換と言える良作で、全体的にまとまり感が高まったように感じる。
　

　
Chouchouの新譜『Nino』はこれまでの彼らの作品と比較すると、ユニットとしての統一感が出て来たところが大きな変化だろう。
julietの声とarabesqueのメロディーとの分離感がそれによってかなり軽減されたのは、大きな前進だ。『Jelly Jelly』ではよく聴くと所々にarabesqueの声がエフェクトの中からかぶって来る辺りに、隠し味的な工夫が見られる。
こういう小ワザは、ほんのり見えるぐらいが丁度いい。ハイスペックなヘッドホンで聴いた人だけが気付く‥ 程度の演出の方が、楽曲が長持ちするから。
　
何ったってChouchouの新譜が、人物や風景と言う生々しい映像を一切使って来なかったところを、音楽の専門家として、あらためて称えたい。
　

　
※是非、日本語バージョンも追加でリリースして欲しい🎧