第19回ショパン国際ピアノコンクール “ファイナルの演奏から見えて来るもの”

数日間の忙殺と体調不良が要因で、結局ショパン国際ピアノコンクール 2025′ のファイナルのリアタイを見逃してしまった。
だが思えばリアタイをあっさり逃すと言うことは、その番組やコンテスト等に体調不良を圧してまで試聴する魅力がなかったと言う予感をも意味する場合が多いので、きっとそうかもしれない‥ と言うモチベーションで後日YouTubeで実演動画を探って視てみた。
その結果、案の定ファイナルの動画から魅力的なショパンに出会うことはなかった。

私の予言とも言えそうな記事を数日前に書き残して、そこで私は今回のショパン国際ピアノコンクールに関する執筆を止める旨綴っておいたが、その予言通りにERIC LU氏が優勝した。
　

ERIC LU – third round (19th Chopin Competition, Warsaw)

だが、ファイナルの演奏を聴く限り華も何もないただのエントリー曲として設計されたショパンであり、それはショパン本人の霊魂が思うショパンの楽曲とはかなり異なっていたようだ。
　

ふとショパンコンクールを取材している過程で、以下の動画に突き当たった。

【ショパンコンクール】審査員の発言に波紋「音楽のためではなく、拍手のために弾いている人もいる」

これは今回のショパン国際ピアノコンクールで審査員を務めるクシシュトフ・ヤブウォンスキ氏の問題発言を、コンパクトにまとめた動画である。
　
1. 私はまだ本物の”ポロネーズ”を聴いていません。(1:22～)
2. ポロネーズはただ力強く弾く曲ではなく、誇りと気品を備えたポーランドの舞曲。それを”派手なショー”として弾いてしまう傾向にある。(1:40～)
3. 前奏曲は独立した小品ではなく、ひとつの連作です。(2:01～)
4. 音楽のためではなく、拍手のために弾いている人もいる。(2:44～)
5. ピアノはアクロバットではない。大切なのは内面の思索と知識です。(2:47～)
6. 芸術は再生回数では測れない。(3:42～)

　
特に気になったのはやはり、発言 [6.] だった。
　
最近はSNSのみならず音楽やその他の表現活動に於いても「ビュー (数)」がモノを言う時代だ。だがそのビューはあくまで瞬時的なものであり、特にSNS等で大量のビューを稼ぎ出す人たちの多くはタイトル釣りが上手な人であり、それらのタイトルに釣られて作品や動画に吸い寄せられて行く人たちの多くが実際の作品や動画を真剣には視ていない。
　
特に今回のショパン国際ピアノコンクール 2025′ に於いて私は、色んな意味でクラシック音楽の衰退期或いは絶滅へと進んで行く道筋を垣間見た。
　

　
私は国籍が日本なので、先ず話のネタとして桑原志織さんの演奏は聴いておく必要を感じYouTubeにアクセスしたが、動画の半分まで持たなかった。
Concerto in E minor, Op. 11をコンツェルト曲に選んでいたところは良いとして、ショパンの霊魂が熱弁をふるうところの「天上界の官能性」は全く彼女の演奏からは感じられなかった。
桑原さんの演奏は、日本式の感性で言うところの「優秀な演奏」だと思う。音楽を理解し、感じている風な顔芸と頭のガクンガクン振りながら演奏すると、確かに日本のコンクールの場合だと審査員ウケが良い。
だが如何せんこれは音楽ではなく、あくまで「競技と割り切って点数を取る為の演奏」だと言うことをコンテスタントの殆どが分かっているので、恐らくコンテスタントの大半が自身の表現スキルを放棄していると思われる。
つまり運動性に依存した再演と言う、これはそういう意味だ。
　
さらにはERIC LU氏のコンツェルト “Concerto in F minor, Op. 21” にアクセスしてみるが、セレクトしている楽器の特性が仇となり、オーケストラの、特に木管楽器の音域がピアノの音を完全に覆ってしまう。
又Fazioliのピアノは音の粒のアタックだけが機能するような設計になっている為、ペダルが全くその役割を果たさない。まるでツェルニーを聴いているみたいな演奏が続き、音楽にもショパンにも聴こえて来ない。
この表現の致命傷にERIC本人が気付いていないとしたら、表現者としては長く続かないだろう。
　

　
複数聴いた中で比較的正統派のショパンに近かったのが、William Yang (ウィリアム・ヤン) 氏だった。
だがこれはあくまで「審査脳」を一旦構築した中で、コンテスト脳を持ちながら聴いた感想なので、彼が仮にいち表現者として何も言わずに私の前でショパンのピアノコンツェルトを演奏したとしても、私は彼の演奏には全く惹かれないだろう。
コンクールの怖いところで、一度コンクールの審査脳を構築した人がそこから離れることはとても難しい。何を聴くにもミスタッチの有無を先ず検知し、いかに音の粒が正確か、いかにハイスピードで演奏し続けらるか‥ 等の審査の耳で全ての音楽を聴くことしか出来なくなる。
　
あくまで上記の条件で聴いたところではWilliam Yang氏が比較的良かったと言うだけであり、実際に鳴っている音楽はショパンとも音楽ともつかない床運動のような鳴り物だったと言っても過言ではないだろう。
　
今回はピアノメーカーの戦いも、背景にあったのではないだろうか‥。
ピアノによってこれだけ音質の違いを見せ付けられると、果たして本コンクールがコンクールとして平等なのか、正常なのか、正直個人的には疑わしい。
特にファイナルでは、以下の3銘柄のピアノの音色も競われたように思う。
・Fazioli
・Steinway & Sons
・Shigeru Kawai
　
上記3メーカーの中で比較的ショパンをショパンの意図に近付ける音質を持っているのは、Steinway & Sons だったと言えそうだ。
だがショパンの霊魂としては、ショパンコンクールのファイナルにベヒシュタインを使用するコンテスタントが現れなかったことを、とても嘆いていた。
　
確かにショパンコンクールの会場でバックにオーケストラを従えてベヒシュタインのピアノを鳴らすのは、かなりリスクが高い。ベヒシュタインのコロコロとどんぐりが転がるような音質では、空間の広さにもオーケストラの編成と音圧にも耐えられないだろうから。
　

　
ショパンが一つだけ後悔していることがあるとしたら、それは普遍性を重視した音楽作品を殆ど遺さなかったことかもしれない。
既にショパンが生きた時代には今で言うサロン・ミュージックが主流となり、多くの音楽家/作曲家は作曲よりもその再演に多くの時間とエネルギーを割かなければいけなかった。
今で言う「食べて行く」為の、音楽はその手段の一つに過ぎず、その為ショパンもショーアップに向く楽曲を大量に生み出す必要に迫られた。
　
流石にショパンはステージでパフォーマンスをせずとも音源だけで世に打って出られる時代が来るだろうとは、思ってもみなかっただろう。
さらには多くの作曲家が基本長生きしていない当時の音楽を現在に継承しているクラシック音楽の再演には、既に限界が生じている。
　
39歳で亡くなったショパンの続きは、誰かが後に再開する必要があるかもしれないと私は思っている。
60歳のショパン、80歳のショパン、さらには100歳のショパンが出現しても誰も文句は言わないだろうし。
　
ショパンコンクールの審査員 クシシュトフ・ヤブウォンスキ も述べているように、ピアノ演奏は早くアクロバットから卒業しなければならないだろうし、再生回数や演奏者のアイコンだけで人気を得るような価値観も一掃されるべきだ。
　

ショパン国際ピアノコンクール 2025′ (第19回ショパン国際ピアノコンクール) の入賞者の中から今後どれだけの入賞者たちが世界に羽ばたくのか、否か、私には全く分からない。
私だけでなく、ショパン本人にもそれは全く予測不能だろう。
何故ならばコンテスタント全員が、ショパンの声を聴けないのだから。
　
さて、ショパンの続きを再開する音楽家が今後出現するのかどうか‥、ショパンコンクールとは全く別の視点で私はその辺りをまさぐって生きて行きたいと感じた次第である。
　

ERIC LU – third round (19th Chopin Competition, Warsaw)

ショパン国際ピアノコンクール 2025′ の三次予選があっと言う間に終了し、2025年10月19日の今、既にファイナルが進んでいる。
私はショパンコンクール以外にも複数の用事 (Kポの裁判に向けた祈りを含め) を抱え込んで居る為、なかなか時間の確保が難しかった。それに加え、今回出場しているコンテスタントの中に魅力的な演奏者が見つからず、コンテスタント一人一人に時間とエネルギーを割くモチベーションが湧かなくなってしまった。
　
審査とかジャッジメントと言う作業は、団栗の背比べの中の光を見付ける作業と言えるだろう。なので抜きん出た人材を発掘する作業ではないし、審査目線が一度身についてしまうと小さなところに強引に光を当てるようなミスも起きやすい。
なので私は昔っから、コンクールが大嫌いだった。
　
今回のショパン国際ピアノコンクールに関して言えば、どんぐりの中の個性を強引に見つけ出すと言う過酷な技も必要とされるように感じている。
なので本記事で一旦ショパンコンクール関連の記事の執筆を、中断したいと思っている。
　
ないものをあるように書くことは、私のポリシーに反する。
わずかな能力よりも、後世に残る逸材に光を当てるべきだと思うので。
　

　
確かこの方、ERIC LU (🇺🇸) さんはファイナルの演奏も終えた頃だろう。
私はファイナルのピアノ・コンツェルトも動画で試聴したが、冴え渡るものは感じなかった。むしろ三次予選の『Barcarolle in F sharp major, Op. 60』や『Sonata in B minor, Op. 58』の、一歩も二歩も引いた表現が良かったと思う。
　
ショパンは時代の要因で、楽曲の緩急が大きい。そこには戦争の光景や音声等を写し込んだ楽曲も多く、それが私が今一つショパンを好きになれない大きな要因だ。
その辺りの戦闘的なモードに入りやすい音楽を、ERIC LU氏は若干抑え気味に表現しているところが良い。特に『Sonata in B minor, Op. 58』の『Presto non tanto』の緊迫感のある音楽からざっくりと緊迫感を抜いて行った、ある種の緩やかさを感じる演奏は高く評価したいポイントだ。
　
多くのコンテスタントがこの作品を戦々恐々と演奏しているが、あえて速度も緊迫感もその上限に持ち上げることなく斜幕がかかったような表現に抑えている。
一つにはFazioliのピアノを選んだ点も、彼の引き算の表現に豊かさを与えている。
今回のFazioliの音色はどこか、古いピアノを思わせる鄙びた音色が妙に印象に残った。それがショパンの時代性の「背景」に潜むある種の寂しさを、楽曲全体に漂わせているように感じた。
　

ERIC LU氏のファイナルの演奏も試聴したが、選曲と出場のタイミングにリスクが生じたような印象を持った。
指揮者やオーケストラがステージに馴染んでいない点に加え、ピアノ・コンツェルトの中では若干地味な曲を選曲しており、Fazioliの音色がショパンの華を拾い切れずに靄がかかってしまったのは残念だ。
ピアノの調律の問題も、ひょっとしたらあったのかもしれない‥。
　
オーケストラのストリングスの中低音が上手く響いていないのか、ピアノの楽器とオケが溶け合わない。それが指揮者の棒の問題なのかオーケストラの持つ音質の問題なのかは、現場に私が居たわけではないので何が‥ と言う断言には至らないが‥。
　

　
そもそも「ショパン」を看板に掲げるコンクールでありながら、関係者の中にショパンの意思や魂の声を聞き取れる人が居るようには見えず、それが肝心要の「ショパン」の音楽とは全く関係のない方向へとコンクール全体を引っ張り込んでしまっているのが、作曲家の目線から見るとネガティブ要因に視えて辛くなる。
　
クラシック音楽界全体が権威主義に完全に舵を切っていて、それが演奏家の進化を大きく妨害していることに、誰か一人でも気付いて欲しいと願わずには居られない。
　
音楽も音楽家も、日々、小さな進化を重ねて居る。だが、特にクラシック音楽と名が付く世界では、厳めしくいかつい音楽性が重宝される。
演奏者がやたら顔芸で分かったような素振りで頭をカクンカクン振りながら演奏している様子も、ショパンは見て居て滑稽に感じているだろう。
正しさが正解ではないと、ショパンがひっそり嘆く声が部屋中に響いて止まない。
　
少なくともショパン本人が聴いた時に泣いて喜んでくれるような、審査員側にはそういった表現や表現者にもっと着目して欲しいと思う。
　

RUBEN MICIELI – second round (19th Chopin Competition, Warsaw)

ショパン国際ピアノコンクール 2025′ が日に日にヒートアップしている。
私は全てのコンテスタントの演奏を追っては居ないが、直感で気になった演奏者の動画を後からYouTubeで試聴している。
一曲のタイムが長いことに加え、私自身が現在次のアルバムの構想に取り掛かっている為、本来ならば生活空間から音を抜いて行く時期に突入しているがそれを度外視していることには理由がある。
　

ショパン自身が語るショパン – 1. 演奏解釈と楽器について

　
さて本記事では、ずっと気になっていたイタリアからのコンテスタント/ ルーベン・ミチェリ (RUBEN MICIELI) の演奏を追って行く。
　

　
先に更新した記事『ショパン自身が語るショパン – 1. 演奏解釈と楽器について』にも少しだけ書いたが、そもそもショパンと言う表現者は虚弱体質であることに加え、当時の楽器は現代のピアノと違って音量が小さく音質もコロコロとしたやわらかさを持っていた。
その表現スタイルを自身の感性と上手くブレンドしてショパンを再現している一人として、私はルーベン・ミチェリの演奏と表現を高く評価したい。
　

楽器はSteinway & Sonsをセレクトしているが、スタンウェイの華やかな音質よりはショパンが存命だった頃のコロコロとして儚く切ない音質の再現に、今のところ誰よりも成功していると感じる。
だが如何せんここはコンクール会場であり競技場でもあるので、作曲学/ 表現手法の目線よりはもっと異なる演奏技法の解釈でジャッジメントする審査員の方が主流だろう。
だとしても「ショパン」を演目の看板に掲げている以上、ショパン自身が何を意図し、何を望んだのかと言う観点は持つべきだ。

　
冒頭の『Nocturne in C minor, Op. 48 No. 1』の、徹底的に自我を抑え込んだ表現は見事だ。
音質もエモーションもとことんセーヴした中で緩急をつけて行く表現スタイルはまさしくフレデリック・フランソワ・ショパン自身が望んだ音楽だと、ショパン本人が言う。
後半のフォルテの箇所もけっして打鍵をMaxに持ち上げず、一歩二歩抑えたフォルテで耐え抜いて行く辺りは圧巻だ。
　
その後、各楽曲と楽曲の間を置かずに粛々と時間が進んで行くプログラムの組み方に於いても、ショパン本人がとても納得していた。
中盤『Preludes, Op. 28』のシリーズから6曲を構成し、此方もタイトル通りにあえて小品として抑え込んで行く。
　

　
ショパン曰く、『プレリュードとは料理で言うところの前菜のようなものだ』と。
その‥ 前菜のような音楽として、ルーベン・ミチェリはそのエッセンスを見事の再現しているように思った。
前菜‥ つまりプレリュードにはメインディッシュのような個性的な主張を軽減させながら空腹の胃袋に控え目に食材を足して行く、引き算の感性が必要とされる。その条件を、ルーベンの表現が巧みに網羅して行く。

『Ballade in A flat major, Op. 47』に静かに侵入し、楽譜上ではアクセントの付いている『A♭』も叩き過ぎることなく、軽やかで重量のない音楽にまとめ上げている。
又ショパン本人が言うところの『パッセージは極力テキトーに上昇して行く方が官能的に聴こえる‥』と言う言葉を実際に聞いたみたいに、ルーベンは徹底して重さを抑えたショパンを再現している。
　

　
『Polonaise in F sharp minor, Op. 44』、多くの演奏者は冒頭を過剰に緊迫させて表現したがるが、ルーベンはそれをあっさり反転させて行く。
けっして音楽に緊張を与えない、穏やかだけども適度なダイナミックを持たせたまま中間部に入って行く。この何気なさがとても良い。
　
『ポロネーズ』と聴けば猫も杓子も華麗に、がむしゃらにダイナミックに弾きさえすれば良い‥ みたいなこれまでの (間違った意味での) 常識的なショパンとはうって変わって、長身と長く細くしなやかで柔軟性のある指を活かした表現スタイルは既に完成したショパンそのものだ。
　
全体を通じてプログラム構成も完璧だし、所々の運指の乱れはむしろ呼吸の浅いショパンの演奏を生き写しにしたとさえ感じ取れる程、とてもリアルだ。
　
あくまで私は作曲家としての視点、巫女として、さらにチャネラーの視点でショパンと接し、ショパンを解釈し各コンテスタントの評論をしているが、可能ならば一人でも私のような視点を持って音楽家を俯瞰する人材が増えて欲しいと願ってやまない。
　
ブラボー！ルーベン！🎉🍕
　
　

ショパン自身が語るショパン – 1. 演奏解釈と楽器について

2025年秋、既に火蓋を切ったショパン国際ピアノコンクール 2025′ がエキサイトしている。
今年は控え目ながら私もその様子を時々動画で視ているが、今年はショパンの霊体がかなり頻繁に動画試聴中に干渉して来る。
例年そういうことはなかったのでショパン (フレデリック・フランソワ・ショパン) の霊体に何かあったのか、何があったのか‥ について様子を探って行くと、彼は彼自身のことを交えながら現代の演奏家が奏でるショパン音楽への違和感を語り始めた。
　
当ブログの読者ならば既にご存じの通り、私はリラ星最後の巫女だった。当時の記憶の幾つかを今世に引き継ぎながら、当時持っていたテレパシーやコンタクトのスキルも同時に現世で復活させることに成功している。
そのスキルを用いて現代のこの時に、ショパンの霊体から直接伝え聞くショパン自身の音楽の話をシリーズ化しながらここに執筆して行きたい。
　

　
ショパンは生まれついての虚弱体質で、特に呼吸器に障害を持っていたようだ。呼吸が浅く、時々過呼吸等も発症していたと (本人が) 語る。
呼吸の浅い人の特徴として、常に息せき切ったような身体状況に陥る。その為それを音楽に置き換えると、センテンスの小さな楽曲を演奏することは出来ても大曲を演奏するには不向きだったと言う。
なのでショパンは自身の体力的なリスクを極力外側には見せなくて済むような、細かいパッセージで華麗な演奏効果を引き出せるような‥ 5分から8分程度の小品をあえて大量に生み出して行ったようだ。
　
だが、現代の会場は当時のそれよりも大人数を収容するよう設計されており、大会場・大音量必須が条件だ。‥となると、ショパンが存命だった当時よりも演奏に体力が必要になり、本来軽いパッセージで演奏する筈のスケールやアルペジオ等の一音一音の音量と打鍵のパンチを増さなければならず、それは本来自分が望んでいた音楽とも音楽性とも異なるし、音楽的な意味に於いてもちっとも美しく聴こえて来ないとショパンは語る。
当然のこと現在仮に彼自身が生きていて生演奏をしたとして、聴衆が望むような自身の音楽など演奏不可能だとショパンはさらに落胆の弁を述べて行く‥。
　
又時代柄、ピアノは小柄で鍵盤数も少なく、音はコロコロとしたどんぐりを転がすような音質だったそうだ。
又弦の張りも短く、現代の楽器のような頑丈な材質ではない為、ペダルの減衰がとても短かかった。その為、音の尾を長く響かせるペダルの効果が期待出来ず、頻繁に装飾音やアルペジオ等を多用しなければ音楽的に間が持たず、サロンでの再演がとても難しい状況だったとショパンは語る。
　
現在開催されているショパン国際ピアノコンクール 2025′ の各コンテスタントの演奏をつぶさに聴いていると、虚弱体質な彼が息せき切って再演していた当時のショパン自身の音楽からはかなり解釈がズレていると言う。
最もショパンの理想に近いピアノメーカーを挙げるならばベヒシュタイン製らしいが、気候やその楽器自体の性質によってそれは確定出来るものでもなさそうだ。
　

　
ピアノが正式名称『ピアノフォルテ』と言うことは誰もが知ることだが、実際にショパン自身が理想とし、当時演奏していた強弱の『フォルテ』は2025年の現在演奏されているフォルテよりももっと小さな音量であり、現代のピアノよりも打鍵が軽く設定されていたピアノであれば細かいパッセージを楽器の端から端まで弾き切ることはそう難しい問題でもなかったと言う。

さらに調律の技術も今よりは未発達であり、全ての音が綺麗に整音されていたわけではなかったようだ。そもそも音を綺麗に整えて演奏すると言う概念自体がなかったので、長いスパンのスケールやアルペジオの音の大小を整えて演奏する必然性もショパン自身は全く考えて居なかった。
　
その観点で言えば、『Ballade No.1 in G Minor, Op. 23』の中盤から最終章に入って行く辺りの重音の連なり部分も、殆ど力を入れずに演奏していたと言う。
G Minorのスケールの3度で重なりながら上に向かって突き上げて行く辺りに関しては、途中かなりはちゃめちゃになりながら3度でも4度でもない‥ 言ってみればジャズで言うところのアドリブの助走のように、かなり大胆にテキトーに弾いていたとショパンが語る。
　
音程が途中で狂って行く方が正しい解釈であり、丁寧に揃えて演奏される方が迷惑だと言うショパン自身の言葉には、私も同じ作曲家としてとても納得が行った。
　

　
本記事は先ずここで一旦〆。
引き続きショパンのメッセージを綴って行くので、関心のある方は是非読者登録の上更新をお待ち頂けるとありがたい。

Tomoharu Ushida vs Didier Merah – B Major 楽曲と表現の比較検証

ショパン国際ピアノコンクール 2025’、一次予選を通過した日本の演奏者の中で黒一点の牛田智大さんの一次予選の演奏を聴いてみる。
　

　
冒頭曲は私も大好きな『Nocturne in B major, Op. 62 No. 1』であり、さらに私/ディディエ・メラ (Didier Merah) が最も得意とするKey (調) でもある『H-dur (B Major)』の一曲だ。
大好きな曲だけにダンボの耳で演奏を聴き進めて行くが、‥どこか牛田の演奏の中に汗臭さと労働もしくは体育会系の気配がチラチラとするので、集中力が維持出来ない。
　
この曲自体がそこはかとなく西洋音楽以外に、中東～アラビックなモードが立ち込める構成になっており、その意味でもショパンの中では珍しく『モード音楽』の様相を呈しているのではないだろうか。
その肝心要のモードの部分 (動画 6:58～7:10付近) のパッセージがいとも簡単なスケールやアルペジオと言った解釈で、ただ、粒を揃えているだけのつまらない表現になっていて、個人的にはかなりの残念ポイントだと言わざるを得ない。

まぁこれはピアノ競技の審査会であるわけだから、表現よりもミスタッチの有無や演奏者の正確性の密度だったりスタミナだったり、言ってみれば表現解釈度外視でも運動性に依存した演奏解釈の方が審査員の印象が良いのかもしれない‥ としても、果たしてショパン本人がそれを目論んでこの楽曲を生み出したのかと言われると、巫女体質の私としては『多分違うと思いますよ。』と回答せざるを得ない。
　
　

　
2曲目『Etude in C major, Op. 10 No. 1』については特に述べることもなく、普通に音大生が演奏するレッスンのエチュードと言う以外に何のインパクトもなし。
　

次いで3曲目『Waltz in A flat major, Op. 42』に関しては、野球に例えれば『2アウト/2ストライク/3ボール』の見せ場を迎えている状況に近いだろう。
ショパン好きの私としては、ショパンと言えば『天上界の音楽を生み出し奏でた作曲家』だと言いたい。だが、牛田のこの表情はまさしくスポーツで言うところの『もう後がない』状態のそれであり、わざわざこの表情を抜き取ったTVのADさん‥ 『グッジョブ!!』と言いたい心境だ(笑)。

各パッセージは確かに正確で粒は揃っているが、表現に到達出来ていない。これだったらむしろ、自動演奏で十分だ。下手にヒトの顔が無い分、音楽に集中させてくれるに違いない🤖
　

　
さて4曲目『Barcarolle in F sharp major, Op. 60』、此方も私が大好きで得意とする『H-dur (B Major)』の曲で攻めて来る。途中何度か6度の和音のアルペジオの箇所が現れるが、その6度の最も官能的な響きを単純にスポーツ的な解釈であっさり通過して行きやがった牛田選手(笑)⚾

ほぼ全てのパッセージが『俺、ミスなく正確に弾いていますよ』とでも言わんばかりの、正真正銘のただの運動性依存の演奏に終始している。
確かに審査員にとっては遠目でも分かりやすいだろうが、これはショパンでも何でもない。
途中の転調 (19:31～付近) に至る最もショパンらしさが書かれている筈の箇所も、まるで階段を上り下りするリハビリみたいに通過して行く‥。
もうたまったものじゃ～ない。
　

ここで少しだけ動画を止めて、私/Didier Merahがショパンをオマージュして作って配信したアルバム『Eden』の冒頭曲、『Happiness』に移動して試聴してみる。
この作品も、私が大好きな『H-dur (B Major)』の楽曲だ。
　

　
先ずこの作品はベーゼンドルファー (Bösendorfer) の音源を用いて、即興演奏の手法で演奏されている。
ベーゼンドルファーは残響に特徴があり、その特徴である残響の効果を存分に発揮させるには、楽曲のテンポをうんと落とす必要が絶対的に生じる。
私は実際に都内各所でベーゼンドルファーの生楽器を演奏しているが、それらのどの楽器もかなりのじゃじゃ馬気質を持っており、特に高速のパッセージの速度を間違うと残響が濁ってしまうのが悩みの種だった。
　

『Happiness』の作曲を開始する上で重要だったのは、『60歳のショパン、もしくはそれ以後の覚醒したショパン』をオーパーツとして再現することだった。
既に亡くなったフレデリック・ショパンの御霊と何度も交信を重ね、完成したのがこの作品であり、この曲は完全に一発録音の即興演奏で収録している。
　
ことさら比較するまでもないが、Didier Merah (ディディエ・メラ) の『Happiness』が「覚醒後のショパン」だとしたら、既存のショパンの楽曲は「未覚醒のショパン」と言い替えても良いだろう。
未覚醒のショパンをどんなに丹精込めて演奏したとしても、そもそも楽曲自体の熟成が為されていない以上それを極限の状態で誰が再演したとしても、『それなり』以上の出来栄えにならなくても致し方ないと言えそうだ。
　

クラシック音楽の起承転結は、私から言わせて頂ければ「不要」な箇所である。
覚醒した魂には普遍性がともない、ヒトが思うエモーションは徹底的に弾き飛ばされる。ショパンが目指していたのはその世界観であり、それゆえに「天上界の音色」を日夜彼は追い求め続けたと言える。
選手/ 牛田智大は日本国内では既にプロの演奏家として活動しており、多くのリスナーを抱え込んだ状態での今回のショパン国際ピアノコンクール 2025’へのエントリーである。勿論運営サイドも、既にファンを獲得しているこういった出場者には期待を寄せるだろうし、そこそこ演奏技術を兼ね備えていればある程度の点数を叩き出して行くと思われる。
　

クラシック音楽が芸術を踏み越えて「商品」になることは絶対にあってはならないと、私は考える。だが、多くの既存のクラシック音楽関係者等には、その観点がない。
いかに見栄え良く、いかに稼ぎいかに集客を達成し、いかに食って行けるか‥。その技能を持つ人材を、クラシック音楽関係者等は血眼になって探しているに違いない。
その観点で言えば、男性演奏者で尚且つ日本国内に多くのリスナーを抱え込んでいる (半分以上は事務所の采配) 牛田選手が、今後同コンクールで上位に食い込んで来る可能性は否定出来ないが、彼が表現者になることは未来永劫ないだろう‥ と、先に予言しておきたい。
　

最後に付け加えるならば、既存のクラシック音楽の、特にピアノ曲のミックスのエフェクトがからっからに乾いてしまっている点が残念だ。

レコーディングされた音源のエフェクトが乾き切った肌みたいにかさついているから、多くのクラシック音楽のリスナーは『やっぱり生演奏がいいよね。』と勘違いするのも頷けるが、これはミックスとマスタリングの技術と感性の致命的な欠落が原因だと思われる。
何故実際の会場に近い環境の、もっと深いエフェクトを掛けてミックスしないのかと、常々疑問に感じている。
その観点から、クラシック音楽の生演奏が突出して優れている訳ではない‥ と言う点は最後にお伝えして、この記事を締めくくりたいと思う。

ARISA ONODA – first round (19th Chopin Competition, Warsaw)

ショパンコンクール 2025′ が開幕している。
未だ一次予選中なので全ての演奏者の動画を視たわけではないが、一人だけ際立つ演奏者を見付けたのでメモ代わりに簡単にブログを更新しておきたい。
　

演奏者はアリサ小野田 (小野田有紗) さん。

1996年1月16日生まれ。ロイヤル・アカデミー・オブ・ミュージックおよびニューイングランド音楽院の卒業生である彼女は、現在ダン・タイ・ソンのもとでオーベルリン音楽院のアーティストディプロマとして学んでいる。
── https://www.chopincompetition.pl/en/competitors/751

　
冒頭の『Nocturne in C minor, Op. 48 No. 1』から、滾々とリスナーを惹き込んで行く。
音色は上質なコニャックをも思わせ、通常この曲を弾く人のストレッチ的 (体育会系) な演奏解釈とは一線を画す。
かなり大きく間を取った解釈も間延びすることなく、一つ一つに意味を持たせて行く。
特に右手の合間の左手の上声部にコントラストと持たせる解釈は、ピアノを完全にオーケストラとして捉え抜いている証しのようにも思える。
　
体力的にはさほど逞しいわけではなさそうなので、時々音の乱れとスタミナ不足が垣間見えるが、そもそもピアノ演奏はスポーツではないし、そう言った点に注目を寄せたがる人たちの一人には私はなりたくないと思いながら聴いて行く。
　

　
一次予選は各自、約30分間のプログラムを演奏する構成になっており、これまで拾い聴きした多くの演奏者を私は多くて5分試聴して切り上げている。
だが、彼女は違った。
　
ラスト曲『Ballada g-moll op. 23 / Ballade in G minor, Op. 23』は、シンプルな楽曲ながら難曲だ。
私は如何なるコンクールであっても運動性に依存した耳や感性で演奏者を判断すべきではないと思っているが、審査員の多くはミスタッチの有無や均一な運動性を重視するようだ。

その意味ではアリサさんは若干、不利かもしれない。おそらく元々彼女が持っている体力的な事情だと思うが、プログラムの中盤で既にバテ気味とも取れる箇所が複数見受けられる。‥だが彼女には、それをものともしない類稀な感性と柔軟性を秘めている。
それがラスト曲のバラードで炸裂する。
　
通常最高音を最高強度のタッチで打鍵するこの曲を、高音に音が流れて行くにしたがってむしろ音量をグっと抑え込んで行く辺りは、プロと言われる演奏家でもなかなかお目にかかれない上質な奏法 (解釈) だ。
それが彼女の場合、当たり前のように随所にその奏法が現れる。その度に一瞬身がすくむような緊張感が走るが、直ぐに解き放たれる。
この、緊張と解放の出し入れを当たり前にこなす演奏者は、そうそう現れないだろう。
　
小野田有紗さんのプロフィールに、師匠 ダン・タイ・ソン の名前が見られたので試しにサブスクで師匠の方のショパンを聴いてみたが、正直つまらなかった。
　

クラシックに限らずシャンソンやジャズでもよくある話だが、現役の傍ら育成業に手を染めた演奏家の表現は途端に面白くなくなって行く。
ひとえにこれは、普段から弟子の粗捜しの耳になって行くからではないかと私は思っており、その意味で育成業に完全に染まり切らなかった恩師三善晃氏のピアノ演奏は、最後の最後まで天井の音楽で在り続けたのだから凄いとしか言いようがない。
　

アリサ小野田 (小野田有紗) さんがこの先、ショパンコンクールでどこまで残って行くかは定かではないが、是非ともコンクールと言うイベントに囚われずに長く演奏活動を続けて行って欲しいと、願わずには居られない。
　

Comeback Chopin

人生‥ いつ、何が起きるか分からない。
このところ天界から、『いつでも誰の前でも演奏出来る小曲を幾つか用意しておきなさい。』と何度も呟かれるので、新曲も含め準備を開始している。
気付くと何曲ものスケッチが、手元に増えていた。

前職を辞めてからは、人前では一切演奏していない。だが或る事を機に、自分でも「もしかして‥」と言う予感を感じている。
その「もしかして‥」に備えて、少しの緊張感が日常に戻り始めている。
基本は即興演奏だが、今私に頻繁にささやきかけて来る存在が在る。

ショパンだ。

この世界に戻って来ようと、彼が転生の準備を始めたのかもしれない。

私はショパンへのオマージュと、プラスアルファの想いと新しい音楽の断片を織り交ぜ、私が思う新星ショパンを描きたいと思っている。

ディディエ・メラへのお仕事依頼は、info@didier-merah.jp 迄お寄せ下さい。
仕事内容はラジオ番組等の「選曲」を始め、音楽評論、コラムやライナーノートの執筆等多岐に渡ります。
尚、飲食店舗用のプレイリストの作成にも応じます。作成価格に関しましては、メンテナンス等を含み月額制とさせて頂きます。
　
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恩師; 遠藤郁子さんの新譜について

私が遠藤郁子さんの弟子だったことを、未だ殆ど誰にも話してはいません。何故ならば私が遠藤先生の弟子になった年齢が、小学校2年～3年頃の約一年程だったからです。
実母があのような人だったので、私と師が急接近した頃合いを見計らって私と演奏先生を母が引き裂いたような格好に‥。
　
そうやって私はこれまで何人もの心惹かれる人たちとの別れを経験し、現在に至ります。
　
　

　
そんな恩師遠藤郁子さんの新譜が、何と近日中にリリースされることに気付きました。いわゆる「風の便り」のように、誰かが私に天上界から知らせてくれたのです。
今さっき、Amazonで予約購入をして来ました。

　
💿 “ショパン、哀しみのジャル～2015年リサイタル・ライヴ』遠藤郁子” : ショパン (1810-1849)
　

　
相変わらず私への霊的な圧（つまり呪詛、呪いのようなもの）は尽きず、間もなく某所へ慰霊を兼ねた旅行を控えていると言うのに奴等（高次悪）は私の内臓を直撃して来ます。
何とか夫のヒーリング施術で事なきを得ていますが、食欲が激落ちしていて油断が出来ません。
　
昨日も練習をお休みしたのですが、今日も（明日からの旅行の為）もしかすると練習は休むかもしれません。
今丁度ピアソラの「天使のミロンガ」の譜読みを開始したところなので、出来れば全身に、指先に音符を叩き込んで行きたいのですが、体調的には難しそうです。
　
戦わず、ここは慎重に行くしかありません。
　

※遠藤先生へ、是非ひと目お目にかかりたいです。
この記事をもしも読んでいて下さったならば、私の Facebookの個人アカウント ないしは “X” (旧 Twitter) からでも良いので、ご連絡をお待ちしております。

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クラシック界の新進気鋭・藤田真央を分析する

このところ何かとクラシック音楽界を賑わせているこの人、藤田真央と言う名前を頻繁に見掛けるので遂にYouTube～Spotifyの音源を聴いてみた。

先ず率直に聴いた感想を述べてみると、一言で言うと音楽表現が幼稚だ‥ と言う一点に尽きる。
まさかこの人がまだ幼気な子供だったらと言う懸念もあり慌てて藤田真央氏のプロフィールを捲ってみたが、どうやら成人式を迎えたばかりの年齢には到達している事が判明。ならば一人の大人の演奏家・表現者としてのジャッジメントを加えても良かろうと言う判断に至り、この記事を書いている。
　

音楽ライター・高坂はる香と言う人がTwitterでやたら藤田真央を褒めちぎっていたので、どうにも気になったことが切っ掛けで色々私まで彼の音源を追い掛ける羽目に陥ってしまったが、正直時間の無駄だったかな‥ と後悔している（笑）。
　

藤田真央さん＠オペラシティ。そこで降ってきたものをそのまま音にしているみたいな、出来たて感、産みたて感？が、ますますパワーアップしていた。たくさん研究しているだろうにそれを全然感じさせないのって、究極ですよね。
— 高坂はる香（音楽ライター） (@classic_indobu) April 11, 2022

　　
やはり人の言葉はアテにならない。‥と言うより、高坂はる香が「音楽ライター」であって「音楽評論家」ではなかった‥ と言う点をうっかり見落としていた私がいけなかったのだ。
こういうところはしっかりと、見落とし・抜かりなく精査しなければならない。

高坂はる香のTwitterのTLで紹介されていたのが、以下のYouTube。どうやら2022年1月19日(水)19:00 東京オペラシティコンサートホールで開催された藤田真央のピアノリサイタルのダイジェストから、ショパンのバラード第三番の一部だ。
　

良く言えば「個性的」だが、裏を返せば身勝手で作曲者: ショパンを全く無視した浅はかな亜流解釈のショパンと言っても良いだろう。
コメント欄にも「賛否が分かれるだろう‥」と言ったような内容のコメントが散見されるが、こういう遠慮がちなコメントではなくはっきりと「これはショパンでも音楽でも何でもない！」と言えないのは、受け身体質の強い日本人の弱さでもあるだろう。

（藤田真央の楽曲の）解釈が断片的で、一個の音楽として楽曲を俯瞰出来ていないし、しかもそのくせやったりげな表情で人格者を演じているのが余りにも滑稽で、絵的にも見ているのが辛くなる。
これはクラシックの演奏家に多いパターンで、なぜかドヤ顔でやったりげで崇高な人格者を顔芸で演じてしまう人達が多いのは、何を隠そう彼らの知性と自信の無さの顕れなのだと私は思っている。

そもそも作曲者の意図や感性を超えた演奏家（再演者）自身の個性等、全く以て不要である。
この点を勘違いし、「自己の新たな解釈」を無謀に加えたがる再演家が、まだまだクラシック音楽界に蔓延しているのが現状とも言えるが、この傾向は出来れば全てのクラシック音楽の演奏家達が早々に脱却しなければならない大きな課題の一つである。

付け加え、高坂はる香のような安易に勝ち馬に乗りたがるタイプの音楽ライターが、表現の稚拙な若い表現者をやたら持ち上げるこの状況にも大いに問題を感じる。
あくまで業界関係者や世論が今誰に注目しているか‥ と言う流れに上手く乗って、自分自身の感性とは全く関係のない、あくまで売れ線演奏者のCDやコンサートチケットの売り上げに貢献することだけを目的とした音楽評論もどきを見抜けない、一般のリスナーの罪も深い。
　

　
話しを藤田真央に戻そう。

藤田真央のWikipediaに掲載されている略歴を見るかぎり、多数のコンクール受賞歴があり、日本国内のTV番組にも多数出演する等、年齢と職歴が反比例するような状況だ。

だが気を付けなくてはならない点は、あくまで藤田真央は未だ演奏者としては未開の地であり、尚且つそうした学習を要しない程の突出した才能に恵まれているわけではないと言う現実を彼が抱えていることだ。
藤田真央はあくまで平凡な商品であり、それ以上でも以下でもないと言う点を的確に見抜く音楽評論家やマネージャーが付かない限り、あっと言う間に天狗になり、あっと言う間にこの世から消されることにもなりかねない。

余生は一部の熱狂的なファンに囲まれ、それなりに幸せな演奏家生活は全う出来るだろう。勿論それだけで満足であれば言うこと等何も無いが、そんな状況をみすみす放置しているだけでは、日本から音楽史や世界史に名を刻む芸術家は生まれないだろう。
　

普遍の表現、圧倒的なまでの音楽解釈力、美しい音色、そしてそれが音楽であることすら忘れさせるような圧倒的な演奏能力、最低でもこの4つの才能を持たなければ歴史に爪痕は残せないだろう。
尚且つ演奏家の宿命は、「再演を続ける」ことだけに忙殺され、没後50年も経過すれば殆どの演奏家はこの世から消えて行く運命を背負っていることである。

やはり歴史に名を刻む為には、演奏者（表現者）自らが音楽を生み出すことが必須である。身も蓋も無い話しだが、これは真理と言っても過言ではないだろう。

　
このところ私自身が公私共に多忙になり、今日はここで執筆を終わりにしたい。この記事の最後に正直言って「何てことをしてくれたんだ！」と怒りキレそうなまでに、私の大好きなこの作品（『亡き王女のためのパヴァーヌ』）を穏やかに崩壊させてくれた、藤田真央のこの音源を貼っておきたい。
　

内容を限定し、お仕事の依頼を受け付けております。
音楽配信を目的とした楽曲作成のオーダーの他、音楽評論、レビュー or ライナーノート執筆、ラジオ番組用のBGM選曲、雑誌連載執筆及びYouTube出演や対談等、諸々用件・案件は、Twitter のDMないしは 📨[info@didier-merah.jp] ⇦ までお寄せ下さい。

音楽評論に関しては、世界中（演歌とヘヴィメタル以外）の音楽を分析・検証し、語り尽くします。
オーダーを遥かに上回るクールで奇想天外な記事を、筆者の豊富な脳内データから導き出して綴ります！

5. ピアノに於けるショパンの競演

【前書き】
前記事【4. ピアノソロの楽曲から演奏者を読み解く】では私が今回印象に残った各演奏家等をピックアップし、それぞれの表現に深くメスを入れながら各々のショパンの表現についての音楽評論を展開した。中にはすべ辛い音楽評論も展開したが、ここは演奏家として、そして作曲家、比較音楽学の観点からありったけの評論に転じた。

本記事では「第18回ショパン国際ピアノコンクール」で使用された楽器について、Didier Merahが独自の批評を綴って行く。

（以上前書きにて。）

　
「第18回ショパン国際ピアノコンクール」、特に[third round]からの戦いのもう一つの主役は楽器であると言っても過言ではないだろう。
本コンクールの演奏者にスポットを当てて感想を綴っているブログやSNSの記事には多く遭遇しているが、楽器を語っている人の著述には未だお目にかかっていない。それもその筈、多くのブロガーやアマチュア評論家等はどこか勝ち馬に乗った自己発信に浸っており、他の通りすがりの読者の敵意を避けるような著述が目立つ。
　
一つにはご自身が音楽の専門家ではないこと、二つには今回のショパンコンクールに日本ではかなり有名な演奏家が複数名エントリーしていたから‥等の理由が挙げられる。
先に散々誰かが好評を書いてそれが一種の市民権のようなものを得ていれば、いちリスナーは先の好評に追従するような何かしら評論めいたものを書いておけば、烏合の衆の一員として恐れを感じることなくSNSに参加出来るのだから、多くのアマチュア評論家やアマチュアブロガーの意見がほぼ一色になっていても不思議はないだろう。

「第18回ショパン国際ピアノコンクール」の[final round]では、以下の3社のピアノで競われた。

私がピアノメーカーの中で最も好きな[Bösendorfer (ベーゼンドルファー) ]は現在ショパンコンクールに楽器のエントリーはされていないので、今回ベーゼンドルファーのショパンが聴けなかったことはとても残念だったが‥。

[Bösendorfer (ベーゼンドルファー) ]の次に私が好きな楽器が FAZIOLI である。

過度な自己主張をせず、酒に例えるとブランデーのような深い味わいは、華美な装飾や虚飾を嫌うピアノ好きにはたまらない音色だ。
ショパンをこの楽器で表現し切るのはかなり難しい、と言うのも、俗に言われているショパンの中高音域の派手さを、この楽器は全力で軽減するからだ。
だがその不要不急の上品さがむしろショパンの心の内側に秘めた苦悩を、夜明けの雨粒のように静かに静かに吐露して行く。それは FAZIOLI でなければ成り立たない、ショパンの音色だと言えるだろう。
　
だが FAZIOLI の音色が優れているのは、フルコンに限定されるようだ。
私もいずれ自宅にグランドピアノを装備する予定で色々ピアノメーカーを研究している中で FAZIOLI が気になっていたが、どうやらフルコン以外の家庭用サイズの楽器には当たり外れがあるようだと分かって来た。
　
ハズレの楽器に当たる程、不幸なことはない。ピアノは直接指が触れて日々鼓膜を震わせる楽器であるから、自宅に備え付ける一台は自分にとって最高の楽器であって欲しい。その意味でも、当たり外れの見られる楽器は私なら敬遠する。
かと言ってフルコンを自宅でメンテナンスしながら維持するのは、湿度に影響される日本の家屋ではなかなか難儀である。
　
だが何れ FAZIOLI の音源ソフトがリリースされたら、真っ先に購入したい程好きなピアノだ。

「第18回ショパン国際ピアノコンクール」の[final round]でに次いで大活躍したピアノが、Steinway & Sons である。
これはもう説明不要な楽器であるが、実は私はこのメーカーの楽器を余り好まない。
　
なぜかと言うと、Steinway & Sons はピアノ自体の音色の自己主張が強く、何を弾いても Steinway & Sons の音しか鳴らないし、上手下手を問わず同じ音色がキープされるクセがある。
ショパンを弾いてもベートーヴェンを弾いても、或いはジャズを弾いてもポップスの伴奏に用いても一度 Steinway & Sons を鳴らせばそこはもう Steinway & Sons だけの世界に変わってしまう。
ある意味楽曲や作曲家の個性を完全に打ち消す力を持つので、ピアノ初心者には悉く愛される。
　
「第18回ショパン国際ピアノコンクール」でも同様の事態が起きており、ショパンと言うよりは「コンクールスタイルのショパン」と言う、全くショパンとは別の音楽になり果てた感が拭えなかった。
音色はきわめて派手であり、特に中高音域の煌びやかさは全てのピアノに於いて群を抜いている。
それが私には「仇」となっているようにも聴こえ、営業楽曲としてのショパンの色合いを強く打ち出し過ぎて、ともすれば下品に聴こえて来る‥。

　
そして今回「第18回ショパン国際ピアノコンクール」で2位を受賞した ALEXANDER GADJIEV も使用した楽器 SHIGERU KAWAI だが、私はこのメーカーの音色を「飛び道具」と解く。
そもそも私は [KAWAI] の楽器を好まないが、SHIGERU KAWAI はある種意表を突く音色だと言えるかもしれない。

FAZIOLI の持つ中音から低音の渋みをそのまま残し、特に中高音域に行くに従って Steinway & Sons の華やかさを併せ持つ。それが会場でショパンを演奏するには酷く向いており、リスナーを困惑させる程の渋みと華やかさの両方で楽曲を翻弄しまくるのだ。
まさに「卑怯な楽器」であり、然程体力を使わなくても高音域のパッセージが強烈に鳴り響くので、これは果たしてコンクール向きの楽器なのかどうか少々悩みどころではあるが‥。
　
そして各音域の音色が他社のピアノのクセを持つので、アンサンブルにはとても有利だ。中音域に特徴のあるホルンにピアノの音色が打ち消されることもなく、弦楽器が背景に大音量で攻めて来たとしてもそれを SHIGERU KAWAI の音色の持つ華が完全に打ちのめして行く。
そしてある意味音色が上品なので、今後 SHIGERU KAWAI が楽器としてどのように進化して行くのか、ちょっと楽しみでもある‥が、多分私はこの楽器を買うことはないだろう(笑)。

　
実は先日ショパン本人に、上の三種の楽器の中でどれが最も好きかについて質問を投げてみた。とは言えショパンは現在存命しているわけではなく、私は彼の「霊体」に直接語り掛ける方法で質問をしてみた。
　
その結果、やはり私が危惧した通り、ショパンの回答は『SHIGERU KAWAI』一択だった。
彼は音楽の中では常に自由であり、自身の生い立ちや境遇を完全に忘れて音楽でゲームを楽しむ習性があった。それを考えると、夢のような、ある種現実味のない音色を彼が好んだとしても何等不思議ではない。
私としては悔しいけれど、ショパン本人がそう言うのだからそれが答えなのだ。
　
この記事の最後に（正直腹が立って仕方がないのだが‥笑）、 ALEXANDER GADJIEV のバラ４（Ballade in F minor, Op. 52）の動画を貼っておきたい。
私がショパンのバラードの中では最も好きなこの曲を、あり得ないような音色のピアノで華々しく、かつ上品に演奏されている。これを聴けば私が何故『SHIGERU KAWAI』の楽器に腹が立って仕方がないのか、少しはご理解頂けるかもしれない。
　

💿 “ショパン、哀しみのジャル～2015年リサイタル・ライヴ』 遠藤郁子” : ショパン (1810-1849)

　
💿 “ショパン、哀しみのジャル～2015年リサイタル・ライヴ』遠藤郁子” : ショパン (1810-1849)
　